Италия - дивный благословенный край, подаривший миру огромную галерею бесценных творений искусства. Итальянские художники - это великие мастера живописи и ваяния, признанные во всем мире. Ни одна страна не может сравниться с Италией по количеству известных живописцев. Почему так - не в наших силах это понять! Но зато мы можем еще раз вспомнить имена великих мастеров, эпоху, в которую они жили, и удивительные картины, вышедшие в мир из-под их кисти. Итак, давайте начнем виртуальную экскурсию в мир прекрасного и заглянем в Италию времен эпохи Возрождения.
Художники Италии эпохи Проторенессанса
В Италии XIV века появляются живописцы-новаторы, которые стали искать новые творческие приемы (Джотто ди Бондоне, Чимабуэ, Никколо Пизано, Арнольфо ди Камбио, Симоне Мартине). Их творчество стало предвозвестником грядущего рождения титанов мирового искусства. Самым именитым из названных мастеров живописи, пожалуй, является Джотто, которого можно назвать настоящим реформатором итальянской живописи. Его самая знаменитая картина - "Поцелуй Иуды".
Итальянские художники раннего Возрождения
Вслед за Джотто пришли такие живописцы, как Сандро Боттичелли, Мазаччо, Донателло, Филиппо Брунеллески, Филиппо Липпи, Джовани Беллини, Лука Синьорели, Андреа Мантенья, Карло Кривелли. Все они явили миру прекрасные картины, которые можно увидеть во многих современных музеях. Все они - итальянские великие художники раннего Возрождения, и о творчестве каждого из них можно говорить очень долго. Но в рамках данной статьи мы коснемся подробнее только того, чье имя наиболее на слуху - непревзойденного Сандро Боттичелли.
Вот названия самых знаменитых его полотен: "Рождение Венеры", "Весна", "Портрет "Портрет Джулиано Медичи", "Венера и Марс", "Мадонна Магнификат". Этот мастер жил и творил во Флоренции с 1446 г. по 1510 г. Боттичелли был придворным художником семьи Медичи, именно этим обуславливается тот факт, что его творческое наследие изобилует не только картинами на религиозные сюжеты (таких в его творчестве было немало), но и множеством образцов светской живописи.
Художники Высокого Возрождения
Эпоха Высокого Возрождения - конец XV и начало XVI века - время, когда создавали свои шедевры такие итальянские художники, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан, Джорджоне… Какие имена, какие гении!
Особенно впечатляет наследие великой троицы - Микеланджело, Рафаэля и да Винчи. Их картины хранятся в лучших музеях мира, их творческое наследие восторгает и приводит в трепет. Наверное, в цивилизованном современном мире не существует такого человека, который бы не знал, как выглядит "Портрет госпожи Лизы Джокондо" кисти великого Леонардо, Рафаэля или прекрасная мраморная статуя Давида, созданная руками неистового Микеланджело.
Итальянские мастера живописи и скульптуры эпохи позднего Возрождения
Позднее Возрождение (середина XVI века) подарило миру немало прекрасных живописцев и скульпторов. Вот их имена и краткий перечень самых известных работ: (статуя Персея с головой Паоло Веронезе (картины "Триумф Венеры, "Ариадна и Вакх", "Марс и Венера" и др.), Тинторетто (картины "Христос перед Пилатом, "Чудо св. Марка" и др.), Андреа Палладио-архитектор (вилла "Ротонда"), Пармиджанино ("Мадонна с младенцем в руках"), Якопо Понтормо ("Портрет дамы с корзиночкой для пряжи"). И хотя все эти итальянские художники творили во времена заката Ренессанса, их работы вошли в золотой фонд мирового искусства.
Эпоха Возрождения стала уникальным и неповторимым периодом в жизни человечества. Отныне никогда и никому не удастся разгадать тайны мастерства тех великих итальянцев или хотя бы приблизиться к их пониманию красоты и гармонии мира и умению при помощи красок переносить совершенство на холст.
Другие известные художники Италии
После окончания эпохи Возрождения солнечная Италия продолжала дарить человечеству талантливых мастеров искусства. Нельзя не упомянуть имена таких известных творцов, как братья Караччи - Агостино и Аннибале (конец XVI века), Караваджо (XVII век) или Никола Пуссен, живший в XVII веке в Италии.
И в наши дни творческая жизнь не затихает на Апеннинском полуострове, правда, итальянские современные художники пока не дотягивают до того уровня мастерства и славы, которая была у их гениальных предшественников. Но, как знать, возможно впереди нас вновь ждет Возрождение, и тогда Италия сможет явить миру новых титанов искусства.
Известные художники нашего времени, которым не хватило кистей и красок, чтобы выразить гениальность, восхищают и шокируют не только своими произведениями, но и тем, как именно они их создали.
Краски, карандаши, кисти и холст – вот, пожалуй, все, что нужно для создания потрясающего произведения искусства. Ах, да, еще талант! У этих художников он, без сомнения, есть. Ведь им даже не понадобились обычные материалы, чтобы написать неповторимые шедевры. Взгляните, что может получиться, если гений берется рисовать.
1. Джет-арт от Таринан фон Анхальт
Княгиня из Флориды Таринан фон Анхальт не использует кисти для своих картин. Они создаются при помощи…самолета. Как она это делает? На самом деле художница просто подбрасывает бутылочки с краской, а реактивная тяга двигателя самолета «создает» неповторимый рисунок на холсте. Надо же было до такого додуматься? Но джет-арт – не ее идея. Технику реактивного искусства княгиня «одолжила» у своего мужа Юргена фон Анхальта. Создавать подобные картины не так и просто, а порой даже опасно для жизни: потоки воздуха достигают огромных скоростей и силы, их можно сравнить с ураганным ветром, а температура такого «урагана» может превышать 250 градусов по Цельсию. Риск, совмещенный с креативом, позволяет княгине получать около 50000 долларов за одно свое творение.
2. Ани Кей и художественные мучения
Копию полотна великого Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» индийский художник Ани Кей написал собственным языком. Краски при этом применялись самые обычные. В результате долгих лет творчества Ани все время отравляет свой организм, испытывая симптомы интоксикации: головные боли, тошноту и слабость. Но мучения ради искусства упрямый индиец готов принимать снова и снова.
3. Кровавые картины от Виниция Кесады
Виниций Кесада – скандальный бразильский художник, картины которого в прямом смысле слова даются ему собственной кровью и… мочей. Трехцветные шедевры бразильца стоят немало для него самого: каждые 60 дней 450 миллилитров крови Виниция уходит на написание картин, которые потрясают и шокируют публику.
4. Произведения менструального искусства Лани Белосо
И снова – кровь. Гавайская художница тоже не приемлет красок. Ее картины создаются ее же менструальной кровью. Как бы это странно ни звучало, но произведения Лани – действительно женские, что уж тут говорить. А началось все из-за отчаяния. Однажды молодая девушка, страдающая меноррагией, решив узнать, сколько же на самом деле крови она теряет во время патологически обильных месячных, начала рисовать картину из собственных выделений. Целый год во время каждой менструации она проделывала то же самое, создав таким образом цикл из 13 картин.
5. Бен Уилсон и жевательные шедевры
Художник Бен Уилсон из Лондона решил не пользоваться ни обычными красками, ни холстом и начал создавать свои картины из жевательной резинки, которую находит на лондонских улицах. Симпатичные творения «мастера жвачек» украшают серый асфальт города, а в портфолио у Бена – фото его необычных картин.
6. Пальчиковые произведения от Джудит Браун
Эта художница просто развлекается, создавая такие необычные картины крошечными частичками угля и пальцами, она даже не считает свои работы искусством. Но пальцы вместо кистей и уголь вместо краски – так необычно и, согласитесь, красиво. Так же красиво и название серии картин Джудит – Алмазная пыль.
7. Художник-самоучка Паоло Троило
Мастер монохромности тоже рисует пальцами, применяя акриловые краски. Когда-то успешный итальянский бизнесмен, Паоло Троило признан лучшим креативщиком Италии 2007 года. Без единой кисти он пишет настолько реалистичные картины, что их порой не отличишь от черно-белых фотографий.
8. Автомобильные шедевры Яна Кука
Не зря говорят, что в каждом гении живет маленький ребенок. Молодой живописец из Великобритании Ян Кук – яркое тому подтверждение. Он пишет картины, как бы играя машинками на управлении. 40 красочных полотен с изображением автомобилей созданы с помощью красок, но вместо кистей в руках художника – управляемые на пульте игрушки на колесах.
9. Отман Тома и вкусное искусство
Такие картины просто хочется взять и облизать. Ведь писали их не красками, а самым настоящим мороженым. Творец такой «вкусной» живописи – багдадец Отман Тома. Вдохновленный лакомством художник фотографирует свои готовые работы вместе с «красками»: апельсиновыми, ягодными шоколадными.
10. Элизабетта Рогаи – изысканность выдержанного вина
Вкусные краски для своих творений также использует итальянская художница Элизабетта Рогаи. В арсенале у нее – белое, красное вино и холст. Что из этого получается? Невероятные картины, которые со временем меняют свои оттенки, так же, как старинное выдержанное вино меняет свой аромат и вкус. Живые произведения!
11. Пятнистые картины Хун И
Что может быть хуже для образцовой хозяйки, чем следы от кофейных чашек на белой скатерти? Но, видимо, шанхайская художница Хун И – не образцовая хозяйка. Создавая свои картины, она то и дело оставляет такие вот пятна на холсте. И не потому, что любит пить кофе во время работы, а потому, что именно таким образом, не пользуясь ни кистями, ни красками, она рисует.
12. Кофейная живопись и бир-арт от Карен Эланд
Художница Карен Эланд тоже пыталась рисовать, используя кофе вместо красок. И это у нее довольно неплохо получалось. Репродукции самых известных произведений, выполненные кофейной жидкостью, выглядят, как настоящие картины. Единственное отличие – только коричневые оттенки и фирменный знак от Карен в виде чашечки кофе на каждой работе.
Экспериментируя впоследствии с ликером, пивом и чаем (нет, она их не пила), Эланд сделала вывод, что картины из пива выходят у нее лучше всего. Бутылочка хмельного напитка для одного холста заменяет художнице акварели.
13. Поцелуи от Натали Айриш
Надо же так любить искусство, чтобы, не переставая творить, то и дело целовать свое произведение! Именно такие чувства испытывает Натали Айриш. Большая любовь – иначе и не назовешь ее картины, написанные не кистями и красками, а губами и помадой. Несколько десятков оттенков губной помады, несколько сотен поцелуев – и получаются такие шедевры.
14. Кира Эйн Варзеджи – грудь вместо кистей
Американка Кира Эйн Варзеджи тоже немало любви вложила в искусство – ее волшебные картины написаны грудью. Сколько красок вылила художница на свою грудь, трудно себе даже представить. Но не зря же!
15. Секс-арт от Тима Патча
Он берет холст, краски, но кистей нет. И чем, думаете, пишет свои полотна австралийский художник? Да, тем самым местом, которого он вовсе не стесняется. Мужское достоинство у Тима – что надо. По крайней мере, картины, написанные пенисом, у него получаются замечательные. Надо сказать, что в качестве инструмента для рисования художник использует не только главный мужской половой орган, но и «пятую точку». С ее помощью Тим оформляет фон картины. Сам мастер не воспринимает свое творчество всерьез, и даже псевдоним у него несерьезный – Прикассо. Подражая эпатажности гениального Пикассо, художник шокирует посетителей выставок не только своими картинами, но и наглядностью процесса их творения.
В Великобритании, в графстве Норфолке, живет гений нашего времени – художник-подросток Кирон Уильямсон, который рисует картины в жанре импрессионизма с пяти лет. И не просто рисует, а, как художник, пользуется огромным успехом, благодаря чему является в настоящее время миллионером, хотя ему всего четырнадцать лет
О нем заговорила общественность, когда ему было еще шесть, а с восьми лет Киром стал участвовать в выставках и продавать свои картины на аукционах наравне с самыми известными художниками Туманного Альбиона. Достаточно сказать, что восьмилетний, никому тогда неизвестный гений продал на одном из таких аукционов тридцать три своих полотна за двести с лишнем тысяч фунтов стерлингов. Причем все эти картины были раскуплены практически мгновенно – за двадцать пять минут…
Эту работу Киерон создал, когда ему было шесть лет.
А это уже полотна восьмилетнего Киерона.
В 11 лет - это уже мастерски созданные картины, за которые ценители искусства готовы были отдавать огромные деньги.
Искусствоведы мира сравнивают его технику написания картин с техникой основателя импрессионизма в живописи Клода Моне, и потому даже стали называть юного британского художника «Мини-Моне». Причем Киром одинаково великолепно рисует как маслом, так и акварелью или пастелью. Например, владелец картинной галереи в Норфолке Адриан Хилл говорит, что этому юному дарованию нет равных, а его понимание технических элементов при создании картин - просто фантастическое.
Художник-подросток - миллионер
Сегодня Кирон Уильямсон создает пять-шесть картин в неделю, которые улетают в мгновение ока – за картинами Мини-Моне уже встроилась очередь из трех тысяч желающих приобрести его уникальные полотна. Само собой разумеется, мальчик имеет постоянный и, причем, очень солидный доход. Например, только последняя выставка принесла ему почти полмиллиона фунтов стерлингов.
Несколько лет назад родители мальчика, естественно, на его деньги и по его просьбе приобрели особняк недалеко от дома, где некогда жил британский импрессионист Эдвард Сигоу. Киром считает этого художника гениальным художником, мальчик просто счастлив от того, что живет на той же улице, что и его кумир, что он ходит по той же земле и даже видит то же небо, что и Эдвард Сигоу.
В остальном же, Кирон - обычный ребенок, который, например, безумно любит футбол и даже считается в школьной команде лучшим защитником. Он также обожает компьютерные игры и меньше всего задумывается о своем таланте. Учится, растёт, взрослеет и продолжает писать.
Учится, растёт, взрослеет и продолжает писать.
Будущий основатель тоталитарной диктатуры Третьего рейха очень плохо учился в школе. Едва ли не единственным предметом, с которым юный Адольф справлялся на отлично, было изобразительное искусство. Он мечтал стать художником, тогда как отец, Алоис Гитлер, хотел, чтобы сын пошел на государственную службу. На этой почве между ними часто возникали бурные ссоры. Адольф с пеной у рта доказывал, что его интересует только искусство.
В 1907 году, когда Гитлер-старший уже скончался, Адольф попробовал поступить в Венскую академию художеств. Он был очень высокого мнения о своем таланте и не счел нужным готовиться к вступительным экзаменам. В результате - с треском провалился. Однако, не желая расстраивать смертельно больную мать, юноша сказал ей, что его работы пленили приемную комиссию. Дни напролет лжестудент шатался по улицам Вены, рассматривая городскую архитектуру и делая наброски.
«Цветной домик».
«Городская площадь, вход в магазин».
«Музыкант из старого города Велл».
Через год Адольф вновь решил попытать счастья и на этот раз уже провел некоторую работу по подготовке к экзаменам. Но итог оказался таким же. Члены комиссии едва взглянули на работы начинающего художника. Гитлер стал стремительно опускаться на дно, все чаще он появлялся в ночлежках и кабаках в компании грязных бродяг. Денег от продажи картин едва хватало на жизнь.
«Холмы».
Неизвестно, как сложилась бы жизнь Гитлера, если бы он не встретил некого Рейнгольда Ганиша, с которым они организовали совместный бизнес. Ганиш довольно успешно продавал туристам открытки с пейзажами и видами Вены, нарисованные художником-самоучкой. Они расходились по 20 крон настолько хорошо, что суд признал Гитлера обеспеченным человеком, и пенсия по потере кормильца перешла к его младшей сестре Пауле.
«Замок».
«Венская государственная опера».
«Мельница».
В 1913 году Гитлер перебрался в Мюнхен, где и вовсе превратился в преуспевающего мастера. Его работы стали разнообразнее. Немцы с охотой покупали не только пейзажи, но и мягкие успокаивающие натюрморты.
«Мюнхенский театр».
«Белые орхидеи».
Мюнхенский период закончился, когда юношу в 25-летнем возрасте призвали на фронт Первой мировой войны. Он взял с собой краски и в свободное время занимался живописью. Рисунки, написанные в окопах, резко контрастируют с гораздо более чувственными ранними работами. На акварелях преобладают разрушенные бомбардировками здания и военная техника.
Вернувшись с войны, Гитлер вплотную занялся политикой и писал уже лишь изредка. Порой он развлекался тем, что изображал обнаженных женщин.
В ранние годы творчества будущий диктатор написал несколько автопортретов. Пожалуй, наиболее интересный из них датирован 1910 годом. Гитлер изобразил себя без глаз, носа и ушей, однако характерный зачес волос и инициалы над фигуркой в коричневом костюме позволили искусствоведам атрибутировать картину.
В общей сложности кисти Адольфа Гитлера принадлежит более трех тысяч картин и эскизов, большинство из которых были написаны на фронте. Самая дорогая работа была продана на аукционе за десять с половиной тысяч фунтов стерлингов. Ее приобрел неизвестный россиянин. Четыре полотна фюрера принадлежат армии США и покоятся в секретном подземном хранилище в Центре военной истории. Доступ к этим картинам открыт только для нескольких экспертов, и, по заявлению американцев, полотна никогда не будут представлены общественности.
По мнению многих критиков, живописный талант Гитлера был скромным. Именно этим объясняется небольшое количество портретов. Однако, когда современному искусствоведу предложили рассмотреть некоторые из картин, не сказав при этом, чьи это работы, он оценил их как «довольно неплохие».
Говорили, что роль городского сумасшедшего он играл. Играл для того, чтобы выжить и не попасть под каток репрессий. Свои работы он при жизни не продавал, дарил детям и говорил, что писал для будущего зрителя.
Художник выработал свой собственный оригинальный стиль живописи, иногда его называют «фантастическим экспрессионизмом». Сейчас его полотна оцениваются в - 15 000-26 000 долларов.
Словно факир, волшебник и маг он из обычных вещей легко мог создать настоящее чудо. Его декорации к спектаклям в театре им. Абая в Алма-Ате превращали обычное местное представление в необыкновенное по яркости шоу и зрители всегда с нетерпением ждали появления его новых работ. Вся его жизнь - это театр, и художник щедро декорировал ее всеми доступными его разуму средствами.
Без этого человека сложно представить Алма-Ату 40-60-х годов. Гуляя по городу в странных, нелепых нарядах, он был неотъемлемой частью столицы. Гениальный художник или городской сумасшедший? Знаменитый алмаатинец Сергей Калмыков был фигурой неоднозначной и противоречивой. Но тем не менее именно его картины сейчас украшают музеи многих городов.
К Калмыкову привыкли — к его самодельным брюкам с разноцветными штанинами, к его алому берету, к его фантастической кофте с привязанными к ней порожними, бренчащими при ходьбе консервными банками. С течением времени он сделался уникальной частью алма-атинского городского пейзажа, наподобие птички-колибри в сибирской тайге. Он не без иронии называл себя "последним авангардистом первого призыва"... ведь он и в самом деле оказался чуть ли не единственным представителем блестящей культуры Серебряного века, чудом дожившим аж до хрущевской оттепели.
1896 год, семья. Подпись на обороте: «Мои папа, мама, Леля, Шура! Ваня и я, самый маленький. Я помню, как нас снимали. Мы с Ваней были в красных шелковых рубашечках. Шура гимназист!».
Сергей Иванович Калмыков родился в 1891 году в Самарканде. Вскоре его семья переехала в Оренбург, здесь Сережа Калмыков учился в гимназии, затем в школе живописи, ваяния и зодчества. В молодости он был замкнутым, малообщительным человеком. В 1910 году он уехал в Петербург и в течение 4 лет посещал школу В.Н. Званцевой, где преподавали такие известные художники, как Добужинский, Петров-Водкин, Бакст.
Именно тогда двадцатилетний юноша создал удивительную картину «Купание красных коней». Петров-Водкин высоко оценил работу ученика, сказав о нем: «он точно молодой японец, только что научившийся рисовать».
А год спустя Кузьма Петров-Водкин сам написал своего знаменитого «Красного коня», ставшего символом русского авангарда. По этому поводу Калмыков вспоминал: «Похожий на японца желтый мальчик, что сидит на красном коне - это я. Только ноги у меня не такие короткие. Это Петров-Водкин писал с нижнего ракурса. У меня ноги подлиннее будут».
Возвратившись в Оренбург, Калмыков много работал, после Октябрьской революции стал одним из самых активных оренбургских художников. Он участвовал в оформлении революционных праздников, общественных зданий, читал лекции. Его живописные, графические и скульптурные работы привлекали внимание общественности. В 20-х годах Калмыков принял участие в художественном оформлении спектаклей Оренбургского театра и цирка, в разработке эскизов театральных костюмов и афиш. В то время он много ездил со Средневолжской передвижной оперой как главный художник, тогда же Калмыков определился как художник-декоратор и решил связать свою творческую жизнь с театром.
три грации
В 1935 году Калмыкова приглашают в Казахстан для работы в только что созданном музыкальном театре (ныне ГАТОБ им. Абая). Здесь он самостоятельно оформил оперы «Аида», «Князь Игорь», «Фауст», «Флория Тоска» и другие.
«Казахстанская правда» от 30 октября 1935 года писала о спектакле «Князь Игорь»: «Художники Калмыков и Михеев удачно разрешили оформление сцены, заслуженно вызвав аплодисменты зрителей. Написанные в приятных тонах, с большим чувством меры декорации, не загромождавшие, как обычно, сцены, удачные костюмы - свидетельствуют о том, что художники внимательно изучили эпоху и умело использовали имеющийся материал». В Алма-Ате он много рисует, пишет, но не выставляется, не публикуется, не продает свои работы.
Центр искусства в настоящее время находится в моей голове , - писал художник.
В 1936-м Сергей Иванович становится членом Союза художников Казахстана. Параллельно с работой в театре Калмыков вел и самостоятельную художественную работу по рисунку, живописи и гравюре. Он принимал участие почти во всех проводимых союзом художественных выставках. В 1946 году оставил работу по состоянию здоровья. В 1952 году возвращается в театр и работает на должности декоратора.
автопортрет
Вот как описал свою первую встречу с художником писатель Юрий Домбровский: «…и тут я увидел художника над мольбертом. Об этом чудаке я уже слышал. Месяц тому назад он подал объяснение в милицию (жаловались соседи) и подписался так: «Гений I ранга Земли и Галактики, декоратор, художник-исполнитель Театра оперы и балета им. Абая СЕРГЕЙ ИВАНОВИЧ КАЛМЫКОВ». <…>
Он был одет тоже не для людей, а для Галактики. На голове его лежал плоский и какой-то стремительный берет, а на худых плечах висел голубой плащ с финтифлюшками, а из-под него сверкало что-то невероятно яркое и отчаянное - красное-желтое-сиреневое. Художник работал. Он бросал на полотно один мазок, другой, третий - все это небрежно, походя, играя, - затем отходил в сторону, резко опускал долу кисть - толпа шарахалась, художник примеривался, приглядывался и вдруг выбрасывал руку - раз! - и на полотно падал черный жирный мазок. Он прилипал где-то внизу, косо, коряво, будто совсем не у места, но потом были еще мазки, и еще несколько ударов и касаний кисти - то есть пятен - желтых, зеленых, синих - и вот уже на полотне из цветного тумана начинало что-то прорезываться, сгущаться, показываться. И появлялся кусок базара: пыль, зной, песок, накаленный до белого звучания, и телега, нагруженная арбузами…».
«Обыватели представляют себе гения, наверное, так. Это величайшие оклады. Популярность. Растущая слава, деньги. Мы же, скромные профессиональные гении, знаем: гений - это изорванные брюки. Это худые носки. Это изношенное пальто», - писал художник.
«Калмыков всеми считался талантливым художником, - рассказывала потом одна из сослуживиц художника. - Это признавалось весьма компетентными людьми, но масса странностей в его поведении не позволяла ему добиться заслуживаемого им положения. Так, он мог нарисовать по заказу великолепнейший эскиз или картину, но затем все замазать и написать что-то несуразное. Например, он мог написать Венеру Милосскую, пририсовать ей руки и вложить в них примус.
Или изобразить на эскизе актера в нелепом, не соответствующем ситуации и замыслу костюме. Всегда в его голове теснилась масса самых разнообразных теорий: то он хотел строить необычные ракеты, то коридор, соединяющий Москву с Алма-Атой. Или работал над диссертацией «Соединительные швы черепа». Уже тогда у него ярко проявлялись идеи величия. Он называл себя космическим гением, гениальным художником и говорил, что все должны целовать ему пятки…
В последние годы ему не поручали самостоятельных работ, он часто делал совершенно нелепые вещи, портил. Многие работы его, между тем, коими завалена вся его квартира, видели московские художники и сочли его лучшим художником города. Он всегда был неряшливым, своей внешностью и одеждой не интересовался. Стал мазать волосы масляной краской, объясняя, что ему необходимо иметь черные волосы для долголетия… У него была своя система питания: то он ел один хлеб (в молодости все время жевал французские булки), но при этом, когда он ходил в гости, то ел все, что давали. Потом он питался преимущественно молоком, сыром и творогом, но без хлеба. Мясо не ел, был вегетарианцем. Говорил, что горячий чай и пища вредны для здоровья, электрический свет - для глаз, поэтому у него нет газа, а вечером он работает при свечах или сидит в темноте.
Бытовая нищета шла за ним по пятам, он знал, что такое недоедание, голод. Год за годом молоко и хлеб составляли его рацион. «Мебель» в его конуре была построена из перевязанных бечевкой пачек старых газет.
Когда ему в Союзе художников подарили пальто, он его распорол, вставил клинья. С тех пор стал ходить в нелепых нарядах, причудливой одежде, которую перешивал из разного старого хлама. Полагал, что творит революцию в мировом моделировании. Считал себя писателем, писал много под вымышленными именами. Женщин он не знал, вел дневники, в которых писал о своих сексуальных переживаниях. Никто не знал, посещал ли он когда-нибудь баню. Спал на полу на газетах. В последнее время никого к себе не впускал, помощи от соседей не принимал».
Важной темой русского космизма была пространственная архитектура, поэтому Сергей Калмыков строит свои Вавилонские башни, уходящие в небо, и проектирует некие обитаемые аппараты для космоса. Иногда в его «космических пасторалях» вдруг появляется лягушка, которая вскоре обязательно должна превратиться в прекрасную Принцессу, и это легко объяснимо, потому что художник, проживший в одиночестве, конечно же, мечтал о подруге, но не о «Венере с примусом», как назвал он один из своих рисунков, а о милой и Прекрасной Даме.
Он мог написать картину, заключенную в рамку, затем создать произведение в вертикальном стиле китайской каллиграфии и тут же переключиться на другую работу и выполнить ее в зеркальном отражении. Он легко перемещается из одного мира в другой, переходит от одного стиля к другому без предупреждения. «Моя премудрость - явление стихийное», - сообщает художник. Но при этом Сергей Калмыков всегда оставался узнаваемым в проявлении своей внутренней свободы, которая подчинялась только его великой технике. Помимо картин он постоянно писал романы, притчи, афоризмы.
Названия произведений Калмыкова полны вычурности: роман «Последние дни гастролей легендарного Касфикиса, или Апофеоз Сергея Калмыкова», автопортрет «Претендент на абсолютное бессмертие - С. Калмыков», «Необычайные абзацы», cохранились его рукописи, эссе, искусствоведческие сочинения, философские рассуждения и романы: «Голубиная книга», «Зеленая книга», «Фабрика бумов», «Лунный джаз» и другие.
Официальная критика не признавала творчество Калмыкова, оно вызывало «досадное недоумение».
"Мир болен. И нет ничего удивительного в том, что только художники могут привести мир к спасению" . - писал Сергей Калмыков
Однако сейчас его творения висят в музеях Санкт-Петербурга, Москвы, Астаны и Алматы. Хранятся полотна и в частных коллекциях. Некоторые из картин Сергея Калмыкова еще http://bonart.kz/kalmyikov-s.html А один из американских коллекционеров основал Фонд Сергея Калмыкова.
В 1962 году Сергей Калмыков вышел на пенсию и был освобожден от работы в театре. За активное участие в производственной и общественной работе театра Калмыкова неоднократно награждали грамотами Верховного Совета КазССР (в 1940, 1945, 1959 гг.).
В марте 1967 года Калмыков был доставлен каретой скорой помощи в больницу в тяжелом состоянии, где вынесли заключение: «Истощен, речь бессвязная, походка шаткая. Параноидальный бред. Дистрофия». 27 апреля 1967 года Сергей Калмыков скончался. Перед смертью, в больничной палате, он восхищался вкусом горячей пищи. Место его упокоения неизвестно. Справедливо сказать: планета Земля.
По самым грубым подсчетам, Калмыков оставил после себя свыше полутора тысяч работ (рисунки, графика, живопись) и около десяти тысяч страниц рукописей. Сами эти рукописи представляют собою своего рода «самиздат»: сшитые, сброшюрованные и переплетенные книжки, щедро иллюстрированные. Все без исключения тексты исполнены от руки, каждая буква — рисунок, каждая страница заключает в себе законченную композицию.
В материале использованы фотографии из Центрального Государственного Архива РК.
Источники ,