“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
19 век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказывались. Изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И часть импрессионистов дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Некоторые дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов. Которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекцияМане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем на перемены.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей.
Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так, появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841 – 1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Импрессионизм – это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На его картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам. Которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность написать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен своими ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с женщиной.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция. Как и Дега, она часто не дорисовала некоторых деталей. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена женщине полагалось мечтать выйти замуж. После чего любые хобби забывались.
Поэтому Берта долго отказывалась от замужества. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно тоскал за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Но все же дело было в 19 веке. Нет, брюки Моризо носить не стала. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк поработать в одиночестве. Без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины – это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф. Моризо признания не дождалась. Умерла она в 54 года от воспаления лёгких. Не продав при жизни почти ни одной своей работы. В свидетельстве о ее смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы. Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.
Импрессионизм (от французского «impression » - впечатление) представляет собой направление в искусстве (литературе, живописи, архитектуре), появилось оно в конце ХIХ начале ХХ века во Франции и быстро получило широкое распространение и в других станах мира. Последователи нового направления, считавшие что академические, традиционные техники, например, в живописи или в архитектуре, не могут в полной мере передать всю полноту и мельчайшие детали окружающего мира, перешли на использование совершенно новых техник и методик в первую очередь в живописи, затем в литературе и музыке. Они позволяли наиболее живо и натурально изобразить всю подвижность и изменчивость реального мира посредством передачи не его фотографического вида, а сквозь призму впечатлений и эмоций авторов по поводу увиденного.
Автором термина «импрессионизм» считается французский критик и журналист Луи Леруа, который под впечатлением посещения выставки группы молодых художников «Салон отверженных» в 1874 году в Париже, называет их в своем фельетоне импрессионистами, своеобразными «впечатленцами», причем данное высказывание носит несколько пренебрежительный и ироничный характер. Основой для названия данного термина послужила увиденная критиком картина Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». И хотя поначалу многие картины на этой выставке подверглись резкой критике и неприятию, позже данное направление получило более широкое признание публики и стало популярным во всем мире.
Импрессионизм в живописи
(Клод Моне "Лодки на пляже" )
Новая стилистика, манера и техника изображения были придуманы французскими художниками-импрессионистами не на пустом месте, в её основу легли опыт и наработки художников самых талантливых живописцев Эпохи Возрождения: Рубенса, Веласкеса, Эль Греко, Гойи. От них импрессионисты взяли такие методы более яркой и живой передачи окружающего мира или выразительности погодных условий как использование промежуточных тонов, применение техники ярких или наоборот тусклых мазков, крупных или мелких, отличающихся абстрактностью. Адепты нового направления в живописи либо полностью отказались от традиционной академической манеры рисования, либо полностью переделали методы и способы изображения на свой лад, внеся такие новшества как:
- Предметы, объекты или фигуры изображались без контура, его заменили мелкие и контрастные мазки;
- Не использовалась палитра для смешения цветов, подбирались цвета дополняющие друг друга и не требующие слияния. Иногда краска выдавливалась на полотно прямо из металлического тюбика, образуя чистый, сверкающий цвет с эффектом мазка;
- Практическое отсутствие черного цвета;
- Холсты в основном писались на открытом воздухе, с натуры, для того чтобы более ярко и выразительно предать свои эмоции и впечатления от увиденного;
- Применение красок, обладающих высокой кроющей способностью;
- Нанесение свежих мазков непосредственно на еще не просохшую поверхность холста;
- Создание циклов живописных произведений с целью изучения изменений света и тени («Стога сена» Клода Моне);
- Отсутствие изображения острых социальных, философских или религиозных проблем, исторических или значимых событий. Произведения импрессионистов наполнены позитивными эмоциями, здесь нет места мрачности и тяжелым думам, здесь только легкость, радость и красота каждого мгновения, искренность чувств и откровенность эмоций.
(Эдуард Мане "Чтение" )
И хотя не все художники данного направления придерживались особой точности в исполнении всех точных особенностей стиля импрессионизм (Эдуард Мане позиционировал себя как отдельный художник и никогда не участвовал в совместных выставках (всего их было 8 с 1874 по 1886 год). Эдгар Дега творил только в собственной мастерской) это не мешало создавать им шедевры изобразительного искусства, хранящиеся до сих пор в лучших музеях, и частных коллекциях по всему миру.
Русские художники импрессионисты
Находясь под впечатлением от творческих идей французских импрессионистов, русские художники в конце 19 начале 20-го века создают свои оригинальные шедевры изобразительного искусства, позже известные под общим названием «русский импрессионизм».
(В. А. Серов "Девочка с персиками" )
Его наиболее яркими представителями считаются Константин Коровин («Портрет хористки», 1883 год, «Северная идиллия» 1886 год), Валентин Серов («Открытое окно. Сирень», 1886 год, «Девочка с персиками», 1887 г), Архип Куинджи («Север», 1879 год, «Днепр утром» 1881 год), Абрам Архипов («Северное море», «Пейзаж. Этюд со срубом»), «поздний» импрессионист Игорь Грабарь («Березовая аллея», 1940, «Зимний пейзаж», 1954 год).
(Борисов-Мусатов "Осенняя песня" )
Методы и манера изображения присущие импрессионизму имели место в творчестве и таких выдающихся русских художников как Борисов-Мусатов, Богданов Бельский, Нилус. Классические каноны французского импрессионизма в картинах русских художников претерпели некоторые изменения, в результате чего данное направление приобрело самобытную национальную специфичность.
Зарубежные импрессионисты
Одним из первых произведений, выполненных в стиле импрессионизма, считается картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве», выставленная на суд публики в 1860 году в парижском «Салоне отверженных», где могли демонтироваться полотна, не прошедшие отбор Парижского салона искусств. Картина, написанная в стиле, кардинально отличавшемся от традиционной манеры изображения, вызывала массу критических замечаний и сплотила вокруг художника последователей нового художественного направления.
(Эдуард Мане "В кабачке папаши Латюиля" )
К наиболее известным художникам-импрессионистам относят Эдуарда Мане («Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей»), Клода Моне («Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», ««Бульвар Капуцинок», серия работ «Водяные лилии», «Впечатление. Восходящее солнце»), Альфреда Сислея («Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной»), Пьера Огюста Ренуара («Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно»), Камиля Писарро («Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе», «Въезд в деревню Вуазен»), Эдгара Дега («Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем», «Любители абсента»), Жорж Сера («Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы») и других.
(Поль Сезанн "Пьеро и Арлекин ")
Четверо художников в 90-х годах 19 века создают новое направление в искусстве на основе импрессионизма и называют себя постимпрессионистами (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри де Тулуз-Лотрек). Для их творчества характерно передача не мимолетных ощущений и впечатлений от окружающего мира, а познание подлинной сути вещей, которая скрыта под их внешней оболочкой. Их наиболее известные произведения: Поля Гогена («Озорная шутка», «La Оrana Maria», «Борьба Иакова с ангелом», «Желтый Христос»), Поля Сезанна («Пьеро и Арлекин», «Большие купальщицы», «Дама в голубом»), Винсента Ван Гога (Звездная ночь», «Подсолнухи», «Ирисы»), Анри де Тулуз-Лотрека («Прачка», «Туалет», «Обучение танцу в Мулен-Руж»).
Импрессионизм в скульптуре
(Огюст Роден "Мыслитель" )
Как отдельное направление в архитектуре импрессионизм не сложился, можно найти его отдельные черты и признаки в некоторых скульптурных композициях и памятниках. Скульптуре данный стиль придает свободную пластику мягких форм, они создают удивительную игру света на поверхности фигур и придают некоторое ощущение незавершенности, скульптурные персонажи часто изображены в момент движения. К произведениям в данном направлении относят скульптуры знаменитого французского скульптора Огюста Родена («Поцелуй», «Мыслитель», «Поэт и муза», «Ромео и Джульетта», «Вечная весна»), итальянского художника и скульптора Медардо Россо (фигуры из глины и гипса залитые для достижения уникального светового эффекта воском: «Привратница и Сводня», «Золотой век», «Материнство»), русского гениального самородка Павла Трубецкого (бронзовый бюст Льва Толстого, памятник Александру III в Петербурге).
Одним из крупнейших течений в искусстве последних десятилетий девятнадцатого века и начала двадцатого является импрессионизм, распространившийся по всему миру из Франции. Его представители занимались разработкой таких методов и приемов живописи, которые позволили бы наиболее живо и естественно отразить реальный мир в динамике, передать мимолетные впечатления от него.
В стиле импрессионизма создавали свои полотна многие художники, однако основателями движения были Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Фредерик Базиль, Камиль Писсаро. Невозможно назвать их самые лучшие работы, так как все они прекрасны, но есть наиболее известные, именно о них далее и пойдет речь.
Клод Моне: «Впечатление. Восходящее солнце»
Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов. Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра. Спустя два года картина впервые была продемонстрирована публике в бывшей мастерской французского художника и карикатуриста Надара. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства. Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.
Картина была украдена в 1985 г. вместе с работами О. Ренуара и Б. Моризо. Обнаружили ее спустя пять лет. В настоящее время «Впечатление. Восходящее солнце» принадлежит музею Мармоттан-Моне в Париже.
Эдуард Моне: «Олимпия»
Картина «Олимпия», созданная французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863 г., является одним из шедевров современной живописи. Она была впервые представлена на Парижском салоне в 1865 г. Художники-импрессионисты и их картины нередко оказывались в центре громких скандалов. Однако «Олимпия» стала причиной самого крупного из них за всю историю искусства.
На полотне мы видим обнаженную женщину, лицом и телом обращенную к зрителям. Второй персонаж - это темнокожая служанка, в руках которой завернутый в бумагу роскошный букет. У изножья кровати присутствует черный котенок в характерной позе с выгнутой спиной. Об истории создания картины известно не так много, до нас дошли лишь два эскиза. Моделью послужила, вероятнее всего, любимая натурщица Мане - Викторина Мёнар. Существует мнение, что художник использовал образ Маргариты Белланже - любовницы Наполеона.
В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством, и поэтому намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой. Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Никогда до этого картины импрессионистов не вызывали подобного ажиотажа и глумления со стороны толпы. Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии», и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди.
Почти четверть века после выставки полотно хранилось в недоступной для посторонних глаз мастерского художника. Затем его вновь выставили в Париже в 1889 г. Ее чуть было не купили, но друзья художника собрали нужную сумму и выкупили «Олимпию» у вдовы Мане, а затем передали в дар государству. Ныне картина принадлежит музею Орсе в Париже.
Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»
Картина написана французским художником в 1884-1887 гг. Принимая во внимание все ныне известные картины импрессионистов в промежутке между 1863 и началом двадцатого века, «Больших купальщиц» называют самым масштабным полотном с обнаженными женскими фигурами. Ренуар работал над ним более трех лет, и в этот промежуток было создано множество набросков, эскизов. Больше не было в его творчестве ни одной картины, который бы он посвятил столько времени.
На переднем плане зритель видит трех обнаженных женщин, две из которых находятся на берегу, а третья стоит в воде. Фигуры написаны очень реалистично и четко, что является характерной чертой стиля художника. Натурщицами Ренуара были Алина Шариго (его будущая жена) и Сюзанна Валадон, которая в будущем и сама стала известной художницей.
Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»
Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы». Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г.). Он рисовал ее с уже ослабленным зрением, поэтому первостепенное значение придается декоративной организации: воспринимается изображение как большие цветные пятна, особенно если рассматривать его вблизи. Тема танцовщиц была близка Дега. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. А. С.Пушкина в Москве.
Фредерик Базиль: «Розовое платье»
Один из основоположников французского импрессионизма Фредерик Базиль родился в буржуазной семье состоятельного винодела. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Одна из них - это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.
Камиль Писсаро: «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»
Камиль Писсаро прославился благодаря своим пейзажам, характерной особенностью которых является прорисовка света и освещенных предметов. Его работы оказали заметное влияние на жанр импрессионизма. Художник самостоятельно выработал многие присущие ему принципы, легшие в основу творчества в дальнейшем.
Писсаро любил писать одно и то же место в разное время суток. У него существует целая серия полотен с парижскими бульварами и улочками. Наиболее известная из них - «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Она отражает все то очарование, которое художник видит в кипящей и неугомонной жизни этого уголка Парижа. Рассматривая бульвар с одного и того же места, он демонстрирует его зрителю в солнечный и пасмурный день, утром, после полудня и поздним вечером. На фото ниже - картина «Бульвар Монмартр ночью».
Эту манеру переняли впоследствии многие художники. Упомянем лишь о том, какие картины импрессионистов написаны под влиянием Писсаро. Данная тенденция отчетливо прослеживается в творчестве Моне (серия полотен «Стога»).
Альфред Сислей: «Лужайки весной»
«Лужайки весной» - это одна из самых поздних картин пейзажиста Альфреда Сислея, написанная в 1880-1881 гг. На ней зритель видит лесную дорожку вдоль берега Сены с деревушкой на противоположном берегу. На переднем плане девушка - дочь художника Жанна Сислей.
Пейзажи художника передают подлинную атмосферу исторической области Иль-де-Франс и хранят в себе особую мягкость и прозрачность природных явлений, характерных для конкретных времен года. Художник никогда не был сторонником необычных эффектов и придерживался простой композиции и ограниченной палитры красок. Ныне картина хранится в Национальной галерее Лондона.
Мы перечислили самые известные картины импрессионистов (с названиями и описанием). Это шедевры мировой живописи. Зародившийся во Франции уникальный стиль живописи поначалу был воспринят с насмешкой и иронией, критиками подчеркивалась откровенная небрежность художников в написании полотен. Сейчас же вряд ли кто осмелится оспорить их гениальность. Картины импрессионистов выставлены в самых престижных музеях мира и являются желанным экспонатом для любой частной коллекции.
Стиль не канул в Лету и имеет много последователей. Наш соотечественник Андрей Кох, французский живописец Лоран Парселье, американки Диана Леонард и Карен Тарлтон - это известные современные импрессионисты. Картины их выполнены в лучших традициях жанра, наполнены яркими красками, смелыми мазками и жизнью. На фото выше - работа Лорана Парселье «В лучах солнца».
Импрессионизм впервые зародился во Франции ближе к концу XIX столетия. До возникновения этого направления натюрморты, портреты и даже пейзажи преимущественно писались художниками в студиях. Картины импрессионистов же часто создавались на открытом воздухе, а их сюжетами становились реальные мимолетные сцены из современной жизни. И хотя импрессионизм изначально подвергался критике, вскоре он собрал множество последователей и положил начало аналогичным движениям в музыке и литературе.
Знаменитые французские художники-импрессионисты
Неудивительно, что одним из самых известных направлений изобразительного искусства стал именно импрессионизм в живописи: художники , работавшие в этом стиле, оставили после себя удивительные по своей красоте полотна, легкие, как глоток свежего воздуха, полные света и красок. Многие из этих прекрасных произведений написаны следующими мастерами импрессионизма, которых знает каждый уважающий себя ценитель мировой живописи.
Эдуард Мане
Несмотря на то, что целиком творчество Эдуарда Мане нельзя поместить лишь в рамки импрессионизма, живописец во многом повлиял на возникновение данного течения, а другие французские художники, работающие в этом стиле, считали его основоположником импрессионизма и своим идейным вдохновителем. Хорошими друзьями мастера были и другие известные французские импрессионисты: Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, а также художник-импрессионист со схожей фамилией, которая ставит в тупик новичков в мире живописи, - Клод Моне.
После знакомства с этими художниками и произошли импрессионистические перемены в творчестве Мане: он стал предпочитать работу на открытом воздухе, в картинах стали преобладать светлые, яркие тона, обилие света и дробная композиция. Хотя от темных цветов он по-прежнему не отказывается, да и пейзажам предпочитает живопись в бытовом жанре - это можно проследить в работах живописца «Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей» и других.
Клод Моне
Имя этого французского художника, пожалуй, хотя бы раз в жизни слышал каждый. Клод Моне был одним из основоположников импрессионизма, и именно его картина «Впечатление: Восходящее солнце» дала название этому движению.
В 60-х годах XIX века художник-импрессионист одним из первых увлекся написанием картин на свежем воздухе, а многим позже создал новый экспериментаторский подход к работе. Он заключался в наблюдении и изображении одного и того же предмета в разное время суток: так была создана целая серия полотен с видом на фасад Руанского собора, напротив которого художник даже поселился, чтобы не упускать здание из виду.
Изучая импрессионизм в живописи, не пропустите такие работы Моне, как «Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», «Бульвар Капуцинок», а также серию работ «Водяные лилии».
Пьер Огюст Ренуар
Этот художник-импрессионист имел уникальное видение красоты, что сделало Ренуара одним из самых известных представителей данного направления. Прежде всего, он знаменит своими картинами шумной парижской жизни и досуга конца XIX столетия. Ренуар прекрасно умел работать с цветом и светотенью, в особенности отмечается его исключительное умение писать обнаженную натуру, с неповторимой передачей тонов и текстуры.
Уже начиная с 80-х годов, художник-импрессионист стал больше склоняться к классической манере письма и увлекся живописью Ренессанса, что заставило его включить в свои зрелые работы более четкие линии и ясную композицию. Именно в этот период Пьер Огюст Ренуар создает одни из самых нетленных произведений своей эпохи.
Уделите особое внимание таким полотнам Ренуара, как «Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно».
Эдгар Дега
В истории искусства Эдгар Дега остался как художник-импрессионист, хотя сам он отрицал этот ярлык, предпочитая называть себя скорее независимым художником. Действительно, он питал определенный интерес к реализму, что отличало художника от других импрессионистов, но одновременно с этим использовал в своем творчестве множество импрессионистских техник, в частности, точно так же «играл» со светом и увлекался изображением сцен из городской жизни.
Дега всегда привлекала фигура человека, он часто изображал певиц, танцоров, прачек, стремясь изобразить человеческое тело в различных положениях, например, на полотнах «Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем».
Камиль Писсарро
Писсарро был единственным художником, который принимал участие во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 гг. В то время как картины импрессионистов известны своими сюжетами городского и загородного отдыха, картины Писсарро показывают зрителю ежедневную жизнь французских крестьян, изображая деревенскую природу в различных условиях и при разном освещении.
Знакомясь с картинами, которые писал данный художник-импрессионист, в первую очередь стоит увидеть работы «Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе» и «Въезд в деревню Вуазен».
Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 04.01.2015 14:11 Просмотров: 10630Импрессионизм – направление в искусстве, возникшее во второй половине XIX в. Его главной целью была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.
Появление импрессионизма связывают с наукой: с последними открытиями оптики и теории цвета.
Это направление затронуло почти все виды искусства, но наиболее ярко оно проявилось в живописи, где передача цвета и света являлась основой творчества художников-импрессионистов.
Значение термина
Импрессиони́зм (фр. Impressionnisme) от impression – впечатление). Этот стиль живописи появился во Франции в конце 1860-х гг. Его представляли Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей, Жан Фредерик Базиль. Но сам термин появился в 1874 г., когда на выставке была показана картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872). В названии картины Моне подразумевал, что он передаёт только своё мимолётное впечатление от пейзажа.
К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872). Музей Мармоттан-Моне, Париж
Позже термин «импрессионизм» в живописи стал пониматься шире: внимательное изучение натуры с точки зрения цвета и освещения. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Для этого ими были использованы различные приёмы: сложные ракурсы, асимметричность, фрагментарность композиций. Картина у художников-импрессионистов становится как бы застывшим мгновением постоянно изменяющегося мира.
Художественный метод импрессионистов
Самые популярные жанры импрессионистов – пейзажи и сцены из городской жизни. Они всегда писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, на природе, без эскизов и предварительных набросков. Импрессионисты замечали и умели передавать на холсте цвета и оттенки, обычно невидимые простым глазом и невнимательным зрителем. Например, передача синего цвета в тенях или розового – на закате. Они разлагали сложные тона на составляющие их чистые цвета спектра. От этого их живопись получалась светлой и трепетной. Художники-импрессионисты краски накладывали отдельными мазками, в свободной и даже небрежной манере, поэтому их картины лучше смотреть на расстоянии – именно при таком взгляде создаётся эффект живого мерцания красок.
Импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками.
К. Писсарро, А. Сислей и К. Моне предпочитали пейзажи и городские сцены. О. Ренуар любил изображать людей на лоне природы или в интерьере. Французский импрессионизм не поднимал философские и социальные проблемы. Они не обращались к библейским, литературным, мифологическим, историческим сюжетам, которые были присущи официальному академизму . Вместо этого на живописных полотнах появилось изображение будничности и современности; изображение людей в движении, во время отдыха или развлечения. Их основные сюжеты – флирт, танцы, люди в кафе и театре, прогулки на лодках, пляжи и сады.
Импрессионисты старались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток. В этом плане наивысшим достижением можно считать циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».
К. Моне «Собор в Руане в солнце» (1894). Музей Орсе, Париж, Франция
«Руанский собор» – цикл из 30 картин Клода Моне, которые представляют собой виды собора в зависимости от времени дня, года и освещения. Этот цикл был написан художником в 1890-х гг. Собор позволил ему показать отношение между постоянной, твёрдой, структурой здания и изменяющимся, легко играющим светом, меняющим наше восприятие. Моне концентрируется на отдельных фрагментах готического собора и выбирает портал, башню святого Мартина и башню Альбане. Его интересует исключительно игра света на камне.
К. Моне «Руанский Собор, Западный Портал, Туманная Погода» (1892). Музей Орсе, Париж
К. Моне «Руанский собор, портал и башня, эффект утра; белая гармония» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
К. Моне «Руанский собор, портал и башня в солнце, гармония голубого и золота» (1892-1893). Музей Орсе, Париж
Вслед за Францией художники-импрессионисты появились в Англии и США (Джеймс Уистлер), в Германии (Макс Либерман, Ловис Коринт), в Испании (Хоакин Соролья), в России (Константин Коровин, Валентин Серов, Игорь Грабарь).
О творчестве некоторых художников-импрессионистов
Клод Моне (1840-1926)
Клод Моне, фотография 1899 г.
Французский живописец, один из основателей импрессионизма. Родился в Париже. Рисованием увлекался с детства, в 15 лет проявил себя талантливым карикатуристом. К пейзажной живописи его приобщил Эжен Буден – французский художник, предшественник импрессионизма. Позже Моне поступил в университет на факультет искусств, но разочаровался и покинул его, поступив в студию живописи Шарля Глейра. В студии он познакомился с художниками Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.
Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла в 1870 г. года стала женой художника.
К. Моне «Камилла» («Дама в зеленом») (1866). Кунстхалле, Бремен
К. Моне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)» (1875). Национальная галерея искусства, Вашингтон
В 1912 г. врачи поставили К. Моне диагноз двойной катаракты, ему пришлось перенести две операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, Моне вновь обрел зрение, но стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет, отчего его картины обрели новые цвета. Например, рисуя знаменитые «Водяные лилии», Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, для других людей они были просто белыми.
К. Моне «Водяные лилии»
Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.
Камиль Писсарро (1830-1903)
К. Писсарро «Автопортрет» (1873)
Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Родился на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда и уроженки Доминиканской республики. До 12 лет жил в Вест-Индии, в возрасте 25 лет вместе со всей семьёй переехал в Париж. Здесь учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Начинал с сельских пейзажей и видов Парижа. Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с художниками Дега, Сезанном и Гогеном. Писарро был единственным участником всех 8 выставок импрессионистов.
Скончался в 1903 г. в Париже. Похоронен на кладбище Пер-Лашез.
Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.
К. Писсарро «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно» (1897)
в 1890 г. Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но через некоторое время вернулся к своей обычной манере.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Но он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных художественными эмоциями.
К. Писсарро «Улица в Руане»
Необычный ракурс некоторых его полотен объясняется тем, что художник писал их из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов.
Писсарро писал также акварелью и создал серию офортов и литографий.
Вот несколько его интересных высказываний об искусстве импрессионизма: «Импрессионисты на верном пути, их искусство здоровое, оно основано на ощущениях и оно честное».
«Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят!»
К. Писсарро «Первый мороз» (1873)
Русский импрессионизм
Русский импрессионизм развивался с конца XIX-начала XX в. В нём сказалось воздействие творчества французских импрессионистов. Но русский импрессионизм имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями о классическом французском импрессионизме. В живописи русских импрессионистов преобладают предметность, материальность. В нём большая нагруженность смыслом и меньшая динамизация. Русский импрессионизм ближе, чем французский, к реализму . Французские импрессионисты делали упор на впечатлении от увиденного, а русские добавили и отображение внутреннего состояния художника. Работа должна была быть завершена за один сеанс.
Некоторая незавершенность русского импрессионизма создаёт «трепет жизни», который был характерен для них.
К импрессионизму относят творчество русских художников: А. Архипова, И. Грабаря, К. Коровина, Ф. Малявина, Н. Мещерина, А. Мурашко, В. Серова, А. Рылова и др.
В. Серов «Девочка с персиками» (1887)
Эту картину считают эталоном русского импрессионизма в портрете.
Валентин Серов «Девочка с персиками» (1887). Холст, масло. 91×85 см. Государственная Третьяковская галерея
Картина написана в усадьбе Саввы Ивановича Мамонтова в Абрамцево, которую тот приобрел у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 г. На портрете изображена 12-летняя Вера Мамонтова. Девочка нарисована сидящей за столом; на ней розовая блузка с тёмно-синим бантом; на столе нож, персики и листья.
«Всё, чего я добивался, – это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, – вот как у старых мастеров» (В. Серов).
Импрессионизм в других видах искусства
В литературе
В литературе импрессионизм как отдельное направление не сложился, но его черты нашли отражение в натурализме и символизме .
Эдмон и Жюль Гонкуры. Фотография
Принципы натурализма
прослеживаются в романах братьев Гонкуров и Джордж Элиот. Но первым термин «натурализм» использовал для обозначения собственного творчества Эмиль Золя. Вокруг Золя группировались писатели Ги де Мопассан, Альфонс Доде, Гюисманс и Поль Алексис. После выхода сборника «Меданские вечера» (1880) с откровенными рассказами о бедствиях франко-прусской войны (включая мопассановскую повесть «Пышка») за ними закрепилось название «меданской группы».
Эмиль Золя
Натуралистическое начало в литературе часто подвергалось критике за недостаток художественности. Например, И. С. Тургенев писал по поводу одного из романов Золя, что «там много копаются в ночных горшках». Критически относился к натурализму и Гюстав Флобер.
Золя поддерживал дружеские отношения со многими художниками-импрессионистами.
Символисты
использовали символы, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Таким образом, импрессионизм в литературе выражался частным впечатлением автора, отказом от объективной картины реальности, изображением каждого мгновения. Фактически это приводило к отсутствию сюжета и истории, заменой мысли восприятием, а рассудок – инстинктом.
Г. Курбе «Портрет П. Верлена» (около 1866 г.)
Яркий пример поэтического импрессионизма – сборник Поля Верлена «Романсы без слов» (1874). В России влияние импрессионизма испытали Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский.
В. Серов «Портрет К. Бальмонта» (1905)
Иннокентий Анненский. Фотография
Эти настроения коснулись и драматургии. В пьесах присутствует пассивное восприятие мира, анализ настроений, душевных состояний. В диалогах концентрируются мимолётные разрозненные впечатления. Эти признаки характерны для творчества Артура Шницлера.
В музыке
Музыкальный импрессионизм сложился во Франции в последнюю четверть XIX в. – начале XX в. Ярче всего он выразился в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.
Эрик Сати
Музыкальный импрессионизм близок импрессионизму во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. Композиторы-импрессионисты искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Конечно, средства живописи и средства музыкального искусства могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Если смотреть на расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель», то здесь можно говорить только о свойстве художественного образа, но не реального изображения.
Клод Дебюсси
Дебюсси пишет «Облака», «Эстампы» (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка – «Сады под дождём»), «Образы», «Отблески на воде», которые вызывают прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне «Импрессия: восход солнца». По выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.
Морис Равель
Прямые связи живописи и музыки существуют у М. Равеля в его звукоизобразительной «Игре воды», цикле пьес «Отражения», фортепианном сборнике «Шорохи ночи».
Импрессионисты создавали произведения утончённые искусства и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие по стилю.
В скульптуре
О. Роден «Поцелуй»
Импрессионизм в скульптуре выражался в свободной пластике мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах скульптурных персонажей схвачен момент движения, развития.
О. Роден. Фотография 1891 г.
К этому направлению относят скульптурные работы О. Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П. Трубецкого (Россия).
В. Серов «Портрет Паоло Трубецкого»
Па́вел (Паоло) Трубецко́й
(1866-1938) – скульптор и художник, работал в Италии, США, Англии, России и Франции. Родился в Италии. Внебрачный сын русского эмигранта, князя Петра Петровича Трубецкого.
С детства самостоятельно заниматься скульптурой и живописью. Никакого образования не имел. В начальный период своего творчества создавал портретные бюсты, произведения мелкой пластики, участвовал в конкурсах на создание крупных скульптур.
П. Трубецкой «Памятник Александру III», Санкт-Петербург
Первая выставка произведений Паоло Трубецкого состоялась в США в 1886 г. В 1899 г. скульптор приехал в Россию. Принимает участие в конкурсе по созданию памятника Александру III и неожиданно для всех получает первую премию. Этот памятник вызывал и продолжает вызывать разноречивые оценки. Более статичного и тяжеловесного памятника трудно себе представить. И только положительная оценка императорской семьи позволила занять памятнику соответствующее место - в скульптурном изображении нашли сходство с оригиналом.
Критики считали, что Трубецкой работал в духе «устаревшего импрессионизма».
Образ гениального русского писателя получился у Трубецкого более «импрессионистическим»: здесь явно присутствует движение - в складках рубахи, развевающейся бороде, повороте головы, присутствует даже ощущение того, что скульптору удалось уловить напряжение мысли Л. Толстого.
П. Трубецкой «Бюст Льва Толстого» (бронза). Государственная Третьяковская галерея