Искусствознание, осмысливающее явления и исследующее процессы развития искусства 20 века , углубляющееся в их закономерности и выявляющее узловые моменты этих процессов, не в состоянии судить о них в целом по их конечным результатам. Историк искусства прошлых эпох вправе рассмотреть исследуемый им материал в свете проистекающих из него выводов и последствий и даже предварить ими основное изложение. Ничего подобного история искусства XX века не допускает. Ей противопоказаны попытки дать окончательные суждения о неоконченных процессах. Речь идет прежде всего о неосновательности неких всеобщих определений XX века как эпохи, изменившей чуть ли не всю природу искусства и учредившей навечно свой новый стиль. Обычно такие то тальные суждения выводятся из ка кой-либо одной из линий художест венного процесса, из эфемерных частных явлений, которые объявля ются началом новой эры. Примеров подобных опытов, равно как и по срамления их реальной историей искусства XX века, можно было бы привести немало. Свою роль здесь играет и то, что исследователь искусства 20 века сам погружен в его течение и наблюдает его, так ска зать, изнутри. При такой точке зре ния легко могут возникать своего рода оптические ошибки. Никто не обладает гарантией от них, а сами они в свою очередь составляют часть истории самоосознания худо жественной культуры 20 века .

Обстоятельства, в которых находится история искусства 20 века , предостерегают от соблазна сфор мулировать или кодифицировать во введении ее общие свойства. Спра ведливее будет ограничиться неко торыми историко-художественными предпосылками, на основе которых предстоит далее рассма тривать само искусство. Исходная предпосылка может быть представлена как постулат: искус ство XX века - искусство перелом ное, а не просто старый или просто ное, а не просто старый или просто новый период его истории. Непростительно наивным было бы видеть в нем либо только прямое и последовательное угасание прошлого, либо только линейное восходящее движение, все стилеобразующие начала которого уже сложились во всей несомненности, и остается лишь ждать созревания плодов или же - в наиболее сложных случаях - превращения гадкого утенка в прекрасного лебедя. Это искусство кризисное в изначальном, словарном смысле слова, выражающем наивысшую напряженность перелома. В его жизнедеятельности проявляются закономерности и умирания старого и развития нового. Это старое и новое (о том, что они означают, еще неоднократно придется вести речь ниже) не располагаются в элементарной последовательности, а действуют во взаимном пересечении, охватывающем глобальное пространство и обширное историческое время. В силу этих причин в искусстве 20 века с чрезвычайной и во многом определяющей силой распоряжаются законы, присущие именно и исключительно переломному времени. Они проявляются не только в том, что и как отражает искусство, например, в характерном для таких периодов аллегоризме как типе художественного мышления, выражающего новые идеи в старых формах, или в признании невозможности воплотить эти идеи в изобразительной форме; в развитии охранительских тенденций и новаторства, сопряженного с отрицанием прошлого, и т.п. Никак не в меньшей мере действие законов перелома сказывается в общем потрясенном состоянии, в которое приходит искусство, теряющее на великих исторических рубежах старую и обретающее новую почву для своего развития. В этих обстоятельствах с остротою, невиданной для классических эпох истории искусства, возбуждаются вопросы о том, что значит собой, для чего существует и что может искусство, а в числе ответов на них встречаются весьма примечательные для неклассического времени мифологизированное представление искусства о самом себе как о всевластной жиз-нестроительной силе и иконоборческое самоотрицание художественного творчества.

Искусство 20 века - не первая переломная, неклассическая эпоха во всеобщей истории искусств. С точки зрения классических эпох, создающих несомненные художественные ценности, гармонически соответствующие породившей их среде и эстетически полноценно решающие свои идейно-художественные социальные задачи, искусство неклассической поры выглядит во многих отношениях неудовлетворительным. Таким рисуется искусство 20 века в восприятии значительной части его современников; двусмысленно многое из того, что выдвигается как его позитивные ценности; искусство нередко проникается неудовлетворенностью самим собой и окружающей жизнью; весьма сомнительно также, всегда ли удовлетворительным образом оно выражает свою неудовлетворенность действительностью и т. д. Вместе с тем местоположение переломных эпох между эпохами, когда достигает пика подъем того или иного большого стиля или, что гораздо шире и значительнее, художественная культура целой социально-исторической формации, глубоко закономерно. И те и другие прочно связаны в единую цепь историко-художественного процесса, и обсуждение первородства классических или неклассических эпох было бы подобно спору о том, что изначаль-нее - курица или яйцо. Столь же закономерны противоречивость, неустойчивость, которые составляют специфическое качество искусства переломного времени. Изменения, переживаемые в такие эпохи, обнимают как внутреннюю структуру искусства, так практически и всю сферу его взаимоотношений с окружающим миром, в которой действуют отнюдь не только собственно художественные, стилевые, но и целый комплекс внести-левых сил. Они могут быть сгруппированы по трем крупным направлениям: идейно-художественная проблематика, вопросы социально-исторической природы искусства, особенности национального и интернационального характера. Все они отвечают истории искусства, укоренены в ней и существуют во взаимосвязанном виде. Очевидно, что такие события, как появление новых отраслей художественного творчества, перестройка жанрово-видового состава изобразительного искусства, типологии архитектурных сооружений, возникновение национальных школ, развитие международных художественных движений и многое иное, касающееся идейного строя, форм и функций искусства, никак нельзя свести только к эволюции стиля, проходящей своим собственным, относительно самостоятельным порядком. Каждой из переломных эпох свойственна своя специфика названных нами трех аспектов истории искусства и их взаимоотношений. Социально-историческую панораму искусства стран и народов мира образуют в XX веке художественные культуры самых различных типов: от первобытного по характеру творчества народов и племен, находящихся на уровне родо-племенного строя, и от средневековых по типу художественных культур до разнообразных высокоразвитых современных культур. Историко-художественные свойства всех этих разных искусств существуют на земном шаре одновременно, образуя собой неотъемлемые разделы художественной культуры 20 века .

С точки зрения национальной и интернациональной проблематики искусство 20 века выглядит многоликой панорамой национальных искусств, их региональных общностей и международных художественных движений. В своем целом они образуют систему, которую вполне можно назвать мировым искусством. В XX веке эта система охватывает собой все, что существует в художественном творчестве на географической карте мира. На ней не остается более "белых пятен", исчезают своего рода зоны молчания, в которые европоцентристская всеобщая история искусства склонна помещать художественные культуры, чуждые европейскому эстетическому опыту. Мировое искусство XX века интегрирует искусства практически всех этнических, региональных типов, какую бы социально-историческую типологию они ни представляли. Включаясь в кругооборот международной художественной жизни, каждое из национальных искусств, великое или малое, развитое или отсталое в историческом смысле, утверждается как современная эстетическая ценность, наделенная в жизни мирового искусства теми же значением и неповторимостью, какими обладают создавшие его нации, народы, страны в современном существовании всего человечества. Эта ценность не измерима путем сопоставления национальных преимуществ: теории "избранных" и "неполноценных" национальных культур служат здесь самым низким националистическим и шовинистическим, расистским целям. Историко-художественные же свойства того или иного национального искусства, напротив, предполагают вполне точные измерения. Таким образом, панорама мирового искусства 20 века , рассматриваемая в свете социальной и национальной проблематики, обнаруживает нечто, в высшей степени примечательное. Взаимоотношения образующих ее искусств, различных по социально-исторической типологии и национальному характеру, имеют двоякую природу. Диахронную, отвечающую их местоположению и роли в историческом развитии художественной культуры человечества, и синхронную, поскольку все они связаны друг с другом как современники одной и той же эпохи. То есть, совмещенные в одном хронологическом периоде, художественные культуры соотносятся друг с другом и как старое и новое, в соответствии со своим историческим генезисом, и как одновременно существующие социальные и национальные художественные силы, взаимодействие и контакты которых происходят на одном поле и сплошь и рядом заключаются в столкновении разных ответов на одни и те же вопросы. Из этих предпосылок проистекают определенные методологические выводы. Соответственно природе явления исследование искусства 20 века предполагает сочетание диахронного и синхронного подходов, их взаимную коррекцию. Оба они существенно необходимы, но каждый из них, взятый в самодовлеющем виде, может дать искаженную картину. Так, диахронный анализ, без которого немыслимо представить себе историческое развитие, выявить в нем прогресс и реакцию, склонен распределить все, что происходит в искусстве нашего времени по расположенным одна над другой ступеням последовательной эволюции, где одно плавно проистекает из другого, скрывая при этом множество реальных связей, соединяющих современные художественные явления. Как в музейной экспозиции, искусство распределяется по разным залам идеально-эволюционной анфилады, заставляющей забывать о том, что в них представлены соратники и противники, не раз преломлявшие копья в эстетических баталиях. Синхронный анализ, позволяющий уловить актуальное значение и взаимоотношения явлений современного искусства, различных по своей социально-исторической природе, национальному характеру, идейно-художественному строю, тяготеет к тому, чтобы представить их в виде статического многообразия. Как в экспозиции выставки современного искусства, здесь наглядно раскрываются сходство и различие, связи и борьба художественных сил, но из этого никак не явствует, в каких направлениях и последовательности движется развитие искусства и происходит ли оно вообще. Позволительно заметить, что сочетание диахронного и синхронного подходов играет немаловажную роль и при изучении искусства прошлых эпох. Особенно для освещения переломного времени, например для понимания ренессансных и позднесредневековых движений, существующих в одно время. Для исследования же искусства XX века такое сочетание имеет чрезвычайное значение, поскольку в это время приобретает невиданную ранее интенсивность и сложность процесс всеобщей интернационализации художественных культур. Было бы наивным объявлять какую-либо одну причину источником глобальных историко-художественных процессов XX века. История искусства нашего века переживает на основных своих рубежах целые комплексы социальных, национальных и стилевых преобразований. Эти комплексы причин определяют этапы развития истории искусства, приобретают основоположное значение ее периодизации. Первый этап завершается в 1917-1918 годах, в эпоху первой мировой войны и Октябрьской революции в России, когда мировая художественная культура пережила принципиальный перелом. Второй этап истории искусства 20 века приносит не только сложные стилевые сдвиги. За ними стоят коренные изменения социальной структуры, а также перестройка регионального деления мировой культуры 20 века . С 1917 года формируется советская художественная культура, развивающаяся на собственной социальной основе, обретающая свою политическую функцию и стилевую направленность. По этим причинам анализ и оценка искусства народов СССР, его идеологические и художественные начала, свобода и тоталитарность, закономерности и аномалии рассматриваются в "Малой истории искусств" отдельно. Кроме того, здесь лишь бегло отмечены тенденции искусства других тоталитарных режимов, распавшихся в 1945 году. То есть эти разделы истории искусства 20 века останутся за пределами этой книги. Третий этап, начало которому можно отсчитывать с 1945 года, ознаменован рождением мировой системы искусства, включающей в себя многонациональные и национальные художественные культуры, различные по социальной структуре и многообразные по стилевой ориентации. Видоизменения, которые претерпевает мировое искусство 20 века от этапа к этапу своего развития, концентрируются в стилевых, идейно-художественных явлениях и процессах. Попытка охарактеризовать все их сразу была бы явно бесплодной - этому предмету посвящена вся книга в целом. Сейчас целесообразно отметить лишь некоторые предварительные положения. А именно, не представляется возможным определить некий общий единый стиль мирового искусства в 20 веке и расположить в едином ряду стилевой эволюции все составляющие его художественные движения. Так, скажем, фовизм либо кубизм не является следствием развития реализма рубежа XIX-XX веков или же неореализм конца 40-х годов не проистекает из абстракционизма или неоклассики 30-х годов и т. д. Более того, ни один из существующих в искусстве 20 века даже самых крупных рядов стилевой эволюции не исчерпывает собой всего его развития и не охватывает это развитие в целом. Так, например, казалось бы, привычная линия движения от постимпрессионизма к абстракционизму отвечает только одной стороне истории художественного процесса XX века. За пределами развития реализма также остается немалое число весьма существенных явлений. Очевидно, стало быть, что в мировом искусстве 20 века , как это естественно для художественной культуры переломной эпохи, в которой действуют различные социально-исторические, национальные и международные силы, развитие идет несколькими рядами. Каждому из них свойственны свои закономерности, а взаимоотношение таких рядов стилевого движения соединяет в себе диахронные и синхронные начала. Лишь в своей совокупности и взаимодействиях все они образуют историю искусства 20 века .

Можно отметить также разный характер таких стилевых движений, новых и традиционных, возрастающих и угасающих, локальных и общезначимых, глубоких и поверхностных, строго соответствующих социальным или национальным условиям, в которых они развивались, или формализованных, допускающих наполнение различным социальным содержанием и различную национальную интерпретацию. Надо быть готовым и к тому, что реальная история искусства 20 века покажет, как одни из художественных движений, возникнув взрывоподобным образом, быстро исчерпывают себя, как, например, кубизм, другие же устойчиво существуют на протяжении всех десятилетий XX века, лишь видоизменяясь на тех или иных этапах и в различных социальных и национальных условиях, как, например, неоклассика. В силу этих обстоятельств момент, когда возникает то или иное движение, далеко не всегда определяет его место в истории и художественных процессах XX века. Нередко более важную роль играет длительность жизни таких движений. Все это опять-таки составляет предмет конкретного изучения истории искусства 20 века , понимание которой сопряжено также с понятиями, имеющими гораздо более общее значение, чем свойства какого-либо художественного направления. Таким образом, надлежит вновь и вновь отдать себе отчет в историчной природе социальных, национальных, стилевых сил мирового искусства 20 века . Каждая из них и все они в совокупности являются именно историчными, а не вечными, конечными, абсолютными. Мы видим, как возникают и распадаются идейно-художественные системы 20 века, претендующие на высшее, исчерпывающее значение. В своем самообольщении они противопоставляют себя глобальным историко-художественным процессам, вычленяются из них, считают себя венцом всего социального, национального и стилевого мирового опыта искусства. С этими предостережениями мы обратимся далее к многосложному искусству 20 века .

В недавно реконструированном павильоне № 66 «Культура» на ВДНХ выставкой «Всегда современное. Искусство XX-XXI вв.» открылась Галерея РОСИЗО. Экспозиция познакомит зрителей с наиболее знаковыми произведениями отечественных художников, среди которых имена как признанных классиков начала прошлого века, так и культовых современников наших дней.

Несмотря на то, что представленные картины принадлежат к разным стилистическим направлениям и написаны в разные периоды истории России, организаторы подчеркивают, что работы «не только не противоречат друг другу, но напротив — вступают в диалог». А произведения наших дней продолжают художественные традиции предыдущих поколений.

Экспозиция включает в себя три раздела: искусство первой половины ХХ века, 1960-1980-е годы и творчество наших современников. В центре внимания каждого периода — стилевые поиски и художественные решения, запросы времени и ответы на них художников.

Первый раздел представит зрителям произведения русского авангарда, которые совершили революцию в представлении о задачах искусства. Здесь можно будет увидеть работы в стиле неоимпрессионизма в версии Александры Экстер, сезаннизма («Натюрморт» Ивана Малютина), кубофутуризма («Портрет актера» Михаила Ле-Дантю), кубизма («Городской вид» Алексея Грищенко, «Композиция. Кубизм» Георгия Носкова), супрематизма («Супрематизм» Ивана Клюна) и других направлений.

Второй раздел выставки расскажет о произведениях художников 1960-1980-х годов. В советском искусстве этого времени одновременно с соцреализмом (скульптуры Николая Томского, Льва Кербеля) существовали и его стилистические модификации — например «суровый стиль» («В чулане» Гелия Коржева, «Апшеронский интерьер» Таира Салахова). Посетители здесь смогут увидеть и такие направления живописного искусства, как фотореализм («Смена» Леонида Семейко, «Эксперимент в космосе» Лемминга Нагеля), экспрессионизм («Персонажи, качающиеся на качелях» Натальи Нестеровой), фантастический реализм, сюрреализм («Золотой век» Александра Ситникова, «Семья. Мои современники» Ольги Булгаковой) и другие.

Третий раздел представит работы современных авторов начиная с конца ХХ века и до сегодняшних дней. Экспозиция этого раздела покажет, как в наше время разные стили в живописи стали инструментами художественного языка, а художники, формируя его, цитируют известные работы своих предшественников и используют уже узнаваемые приемы. Искусство XXI века представлено произведениями таких культовых художников, как Эрик Булатов, Игорь Макаревич, Георгий Гурьянов, Ирина Нахова и др.

Гости ВДНХ также познакомятся с картинами из собраний Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО», Ярославского художественного музея, Серпуховского историко-художественного музея, Государственного центрального музея современной истории России, Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России», а также из частных коллекций и ряда московских галерей.

Справка о «РОСИЗО»

Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» ведет свою историю с 1959 года, когда при Министерстве культуры РСФСР была учреждена Дирекция художественных фондов и проектирования памятников. С 1977 по 1994 год существовал Республиканский центр художественных выставок и пропаганды изобразительного искусства «Росизопропаганда». Центр устраивал передвижные выставки и распределял произведения искусства по музеям СССР. С 1 января 2010 года ГМВЦ «РОСИЗО» обрел статус музея. Учредителем центра является Министерство культуры Российской Федерации. Это многопрофильная организация, которая занимается разработкой и реализацией выставочных проектов в партнерстве с ведущими мировыми музейными и культурными учреждениями. В настоящее время фонд «РОСИЗО» насчитывает около 40 000 единиц хранения.

Что есть красота?Этим вопросом задавались многие и многие.
Красоту искали... И красоту находили. Её
воспевали и её запечатлевали. Красота вокруг
человека. Восторг и трепет вызывает она в
наших душах..Как её удержать?Как
выразить?Как запечатлеть? На помощь
человеку приходит исскуство.
Одним из самых сильных видов исскуства
является живопись, отражающая
действительность на плоскости с помощью
красок.

Краткая история современной живописи.

Как и современное исскуство, современная
живопись в нынешнем своём виде
сформировалась в 60-70-е гг ХХ века. Шли
поиски альтернатив модернизму, часто
вводились и противоположные ему принципы.
Французские философы ввели термин
“постмодернизм”, и к этому течению
присоединились многие художники.
Самыми заметными явлениями искусства 60-70х
стали концептуальное искусство и
минимализм. В 70-х произошло усиление
социальной направленности художественного
процесса.

Это проявилось в содержании тем, которые
поднимали художники; в составе: самое
заметное явление этого времени- веминизм, а
также активность этнических меньшинств и
социальных групп. В 70е и 80е люди словно
устали от концептуального искусства и
понемногу вернулись к изобразительности, цвету
и фигуративности. В середине 80х происходит
подъём движений, использующих образы
массовой культуры – кэмпизм, искусство иствиллиджа, а также нео-поп. Расцветает
фотография – всё больше художников начинают
обращаться к ней как к средству
художественного выражения.

Актуальное исскуство

В России 90-х существовал термин “актуальное
искусство”. Под ним подразумевалось
новаторство в современном искусстве в идеях и
технических средствах. Оно быстро устарело, и
вопрос вхождения его в историю современного
искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Во
многом актуальному искусству приписывались
четры авангардизма. Некоторые вмды
современного искусства нередко были
подвержены институциональной критике. В
России этот вид деятельности практически
отсутствует.

Авдей Тер-Оганьян “Маркс и Энгельс об искусстве”(пример институциональной критики).

Работы из собрания Виктора Бондаренко.

Работы из собрания Виктора Бондаренко.

Метафизическая живопись.

Родоначальником метафизической живописи
является Джорджо де Кирико, который ещё в
период своего пребывания в Париже в 19131914 годах создавал пестынные городские
пейзажи; его серия “Площади Италии”
придавала фантастическое изммерение
условной итальянской классической
архитектуре, воссозданной им на картинах. В
городских пейзажах передавал ощущение
тревожной застылости мира, его
отчуждонности от человека.

Дж.де Кирико “Меланхолия улицы”(1914)

“Меланхолия улицы”
указывают на
стремлдение автора
наполнить самые
обыденные ситуации
ощущением
опастности и
ирреальности.

Моранди. Натюрморт с манекеном. 1918

Абстракционизм.

Направление нефигуративного искусства,
отказавшегося от приближённого к
действительности изображения форм живописи
и скульптуре. Одна из целей абстракционизма –
достижение “гармонизации”, создание
определённых цветовых сочетнаий и
геометрических форм, чтобы вызвать у
созерцателя разнообразные ассоциации.

Кандийский. Казаки(Деталь Композиции IV).1910

Художник говорил, что она
основана на впечатлениях
от въезда казаков в Москву
во время революционных
событий 1905-1906 годов.
Эта работы относится к
полуабстрактным. В
левомверхнем углу – двое
казаков с саблями. Справа
– двое с пиками и один с
саблей на фоне синего
холма, на котором стоит
дом. Радуга – это мост.

Малевич. Черный квадрат. 1915

Малевич.Черный квадрат.

Малевич стал автором самой знаменитой, самой
загадочной, самой пугающей картины на свете
- “Черного квадрата”. Несложным движением
кисти он раз и навсегда провёл непроходимую
черту, обозначил пропасть между старым
искусством и новым, между человеком и его
тенью, между розой и гробом, между жизнью и
смертью. По его собственным словам, он “свёл
всё в нуль”. Нуль почему-то оказался
квадратным, и это простое открытие – одно из
самых страшных событий в искусстве за всю
историю его существования.

Кубизм.

Авангардистское направление в живописи 20
века, характеризующееся использованием
подчёркнуто геометризованных условных
форм, стремлением “ раздробить” реальные
объекты на стереометрические примитивы.
Возникновение кубизма традиционно датируют
1906-1907 г. И с вязывают с творчеством Пабло
Пикассо и Жоржа Брака. Термин “кубизм”
появился в 1908 г., после того как
художественный критик Луи Восель назвал
новые картины Брака “кубическими
причудами”.

Пабло Пикассо. Авиньонские девицы. 1907

Хуан Грис. Завтрак.

А. Архипенко. Гондольер.

Сюрреализм.

Новое направление вживописи,
сформировавшиеся к началу 1920-х во
Франции. Отличается использованием аллюзий
и парадоксальных сочетаний форм.
Основное понятие сюрреализма, сюрреальность
– совмещение сна и реальности. Для этого
сюрреалисты предлагали абсурдное,
противоречие сочетания натуралистических
образов посредством коллажа и технологий
«ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены
радикальной левой идеологией. Искусство
мыслилось ими основным инструментом
освобождения.

Сальводор Дали.Сон, навеянный полетом пчелы.

Макс Эрнст. Ангел очага или триумф сюрреализма1937

Рене Магритт.Сын человеческий 1964

Магритт писал эту картину как автопортрет. На
ней изображен мужчина в пальто и шляпекотелке, стоящий около стены, за которой
видно море и облачное небо. Лицо человека
практически полностью закрыто парящим
перед ним зелёным яблоком. Своим названием
картина, как полагают, обязана образу
современного бизнесмена, оставшегося сыном
Адама, и яблоку, символизирующему
искушения, которые продолжают преследовать
человека и в современном мире.

Модерн (Модернизм)

Художественное направление в искусстве, больше
популярное во второй половине XIX - начале XX
века.. Модерн стремился сочетать художественные и
утилитарные функции создаваемых произведений,
вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности
человека.
Для живописи модерна характерны сочетание
"ковровых" орнаментальных фонов и
натуралистической осязаемости фигур и деталей,
силуэтность, использование больших цветовых
плоскостей или тонко нюансированной монохромии.
Динамикой и текучестью форм отличается скульптура
модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов
– графика.

М. А. Врубель Жемчужина 1904

М. А. Врубель Жемчужина 1904

В этой работе Врубель ищет природу. Природу,
далекую от жизни людей, где и сами людские
фигуры тоже делаются волшебными и
неблизкими нам. Нет теплоты близости в
дальнем сиянии, но много заманчивости, много
новых путей - того, что тоже нам нужно. Этой
заманчивости полна и «Жемчужина». Более
чем когда-либо в ней подошел Врубель к
природе в тончайшей передаче ее и все-таки не
удалился от своего обычного волшебства.

А. Муха. Танец

А. Муха. Танец

А.Муха. Принцесса Гиацинт

Оптическое искусство

Художественное течение второй половины 20
века, использующее различные зрительные
иллюзии, основанные на особенностях
восприятия плоских и пространственных
фигур. Течение продолжает
рационалистическую линию техницизма
(модернизм).Оп-арт одна из разновидностей
кинетического искусства; Оп-арт. стремится к
достижению оптической иллюзии движения
неподвижного художественного объекта путем
психофизиологического воздействия на
зрителей, их активизации.

Время идет быстротечно. Одна эпоха незаметно сменяет другую. На дворе 21 век - «век скоростей», «век интеграции», «век информации», век новых технологий, мобильных телефонов, Интернета и новой прогрессивной молодежи. Век новых современных людей, чья жизнь все время в движении. Человек 21 века - человек информации. Он пытается постичь все сферы жизни, стремится к свободе, через искусство перекраивает несущую действительность, выходит за рамки, меняет жизнь и достигает гармонии и свободы.

Искусство 21 века - это некое отражение нашей сегодняшней жизни, которое передает настроение, проблемы, желания определенной эпохи людей. Что же представляет собой искусство 21? В чем его особенность? Чтобы ответить на эти вопросы, предлагаю проанализировать нескольких художников и скульпторов, которые непосредственно своими произведениями отражают нашу эпоху.

Искусство или магия?

Искусство, которое граничит с магией и реальность, которую можно запросто принять за мираж, иллюзию, обман зрения, - такой эффект производят на неподготовленного и неискушенного зрителя шедевры художницы Корнелии Конрадс. Ее инсталляции украшают городские парки и скверы Германии и каждый раз удивляют прохожих, причем не только приезжих, но и местных. Корнелия создает свои шедевры в стиле лэнд-арт. Лэнд-арт — относительно новое направление в искусстве. Оно возникло в Соединенных Штатах лишь в последней трети 20 века. Тем не менее, оно уже успевшее приобрести значительную популярность и найти своих последователей на Западе. Художественной платформой для мастеров этого жанра служит, преимущественно, природный ландшафт и отдельные его элементы. Корнелия Конрадс — один из ярчайших представителей лэнд-арта. Она нашла свое призвание в украшении привычных пейзажей парков и садов плодами своей фантазии. Надо сказать, большинство ее идей весьма необычны, но несмотря на это они довольно быстро пришлись по вкусу невольным зрителям — горожанам.

На эту и на ту, набью себе тату!

В 21 веке живопись уже давно вышла за рамки холста. Начиная с 1960-х годов роспись по телу начала развиваться и на Западе, как часть изменения общественной морали в сторону больших свобод. Возродившийся на Западе, боди пейнтинг ошибочно считается молодым искусством. Известные художники использовали боди-арт для своих выставок и перформансов. Постепенно боди-арт стал использоваться и в коммерческих целях - для промо акций, рекламы. Сейчас татуировку имеет каждый второй. Цель «сделать себе татушку» у всех разная: кто-то по глупости пытается доказать родителям что уже вырос, кто-то набивает себе наколку на плече с именем своей возлюбленной, ну а у девушек не убывает популярность в татуировках на кобчике с дельфинчиками и сердечками.

Мастер тату и фотограф Брайан Каммингс считает, что татуировка - это одна из форм изобразительного искусства, а тело это просто еще один холст. Работы Брайана весьма интересны. Он делает татуировки, а затем фотографии, которые бы украшали и подчеркивали данное творение. Как художник, он тянется к контрасту. Контрасту светлого и темного, черного и белого, драмы и комедии, и т.д. Брайан вытягивает все возможное из двух крайностей. Художник заинтересован в максимальном разрыве между двумя противоположными точками.
«Как вид искусства, татуировки делают это за меня. С одной стороны, для некоторых это нечто запретное. С другой стороны, это вид искусства, имеющий давние традиции, связанный с красотой и личностным смыслом» - рассказывает Брайан.

Чувственное жизненное пространство

Глядя на белоснежное рельефное мозаичное панно молодой российской художницы Ирины Жук, невольно становишься свидетелем белого шума. Следуя за названием этой работы, шум сначала слегка шуршит, а затем нарастает в ушах. К нему так и тянет прикоснуться пальцами. Ощутить шероховатость слепяще-белой теплой древесины и застывшего холодного гипса. Как будто посредством твоего прикосновения эти белоснежные кнопки начнут подниматься и опускаться в хаотичном порядке.

Блестящее белое полотно из непрозрачного стекла с ярко-красным кругом в середине, символично заключающим в себе выпуклое лицо гейши, переносит посетителей выставки в Японию. Росчерк черного иероглифа в нижнем углу панно еще раз доказывает принадлежность работы к восточной тематике.

Ирина Жук сама охарактеризовывает себя как проводник жизненного пространства сегодня сквозь руку любого пользователя.

«Мое искусство вне ограничений физиологических, в котором жизненное пространство чувственно воспринимается посредством кожи и глаз. Прикосновение к искусству должно быть доступно каждому, это позволяет нам учиться друг у друга, обмениваться информацией и чувствовать энергию ближнего. Выход на одну ступень понимания и восприятия творчества объединяет и делает нас равными пользователями любого пространства. Этот культурный код для каждого всегда свой: контрастный, цветной, монохромный, но в моей философии, обязательно, тактильный» - повествует Ирина.

Подводя итог, могу сказать одно: искусство 21 века очень разнообразно, разнополюсно. Современное творчество отличается разнообразием стилей и направлений, многие из которых пока что не совсем понятны простому обывателю. Некоторые просто плюются и часами стоят у произведения, только догадываясь, что же хотел сказать автор. Произведения различных условных веков ярко передают чувства личного настроения. Эпоха средневековья - период войн, затем упадка. Эпоха Возрождения раскрывает цвет души и гармонии человека. А если барокко, то оно переполняет своей динамикой, ярким колоритом. Но в отличие от последних, современное искусство то вобрало в себя, а где-то и развеяло. Эти ощущения покинули почти совсем незаметно следует эхо древних традиций. Люди научились видеть красоту в новом образе. Кто-то изображает простые сюжеты, а кое-кто требует сложных философских представлений о мире. Важным остается идея духовности человека.

Даже капля на листе расскажет гораздо больше, чем сложная многофигурная композиция. Искусство не требует лишнего. Как и в архитектуре, является лишь основа и необходимые элементы. Все и везде неповторимое. Не существуют такие вещи, которые невозможно различить. Техника и материал - все играет важную роль в этом отражении. И это говорит о приближении к идеалу. Творить прекрасное может каждый. Главное - понять и уверенно идти к поставленной цели. Только благодаря искусству мы можем передать, как и в песне, свои лучшие чувства, оставив личный, неповторимый след в его истории.

Мне нравится

Федеральное агентство по образованию

ИРКУТСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ТЕХНИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ

Кафедра Экономики и Менеджмента

Факультет Изобразительного Искусства

Современное искусство в России 20- 21 вв.

Выполнил: Касымова К.П.

гр. ИСКу 06-1

Проверил: Прохоренкова С.А.

Иркутск

Введение

1. Живопись как вид искусства

2. Вид изобразительного искусства - графика

4. Древний вид искусства - скульптура

5. Архитектура - искусство проектировать и строить

6. Основные направления и приемы современного искусства

7. Кинетическое искусство

К прикладной графике относятся поздравительные открытки, красочные календари, конверты к пластинкам, которые нарисовал художник, и многое другое. Этикетки на различных упаковках - это тоже прикладная или промышленная графика (промграфика), которая имеет практическое назначение, помогает сориентироваться в большом количестве разнообразных товаров, украшает наш быт.

В самостоятельную область графики выделяется плакат . Он, как правило, живо откликается на происходящие важные события (олимпиады, конкурсы, концерты, выставки и др.). Принято выделять несколько основных видов плакатов: политические, спортивные, экологические, рекламные, сатирические, просветительские, театрально зрелищные и др.

Современный графический дизайн включает не только шрифты, но и разнообразные знаковые изображения, в том числе геометрические и растительные.

Новым видом является компьютерная графика. Художники выполняют композиции из сложно пересекающихся линий, объемных элементов, узоров, цветовых пятен на экране дисплея, а затем печатают на принтере полученные изображения. Способность графики быстро откликаться на актуальные события, выражать чувства и мысли художника, развитие техники создают условия для возникновения новых видов графики.

4. Древний вид искусства - скульптура

Скульптура - один из самых древних видов искусства. Скульптура (лат. sculptura, от sculpo - вырезать, высекать, ваяние, пластика) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трехмерный объем. Сами эти произведения (статуи , бюсты , рельефы , и тому подобное) также называют скульптурой.

Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по своему назначению станковой, монументальной, монументально-декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм. По жанрам скульптура разделяется на портретную , бытовую (жанровую), анималистическую , историческую и другое. Скульптурными средствами могут быть воссозданы пейзаж и натюрморт . Но главным объектом для скульптора является человек, который может быть воплощен в разнообразных формах (голова, бюст, статуя, скульптурная группа).

Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная, сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает свое произведение из твердого материала (камня, дерева и др.) путем удаления лишней массы. Другой процесс создания объема за счет прибавления пластической массы (пластилина, глины, воска и другое) называется лепкой (пластикой). Скульптуры создают также свое произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния в твердое (различных материалов, гипса, бетона, пластмассы и тому подобное). Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путем ковки, чеканки, сварки и резки.

В XX в. возникают новые возможности развития скульптуры. Так, в скульптуре используются нетрадиционные методы и материалы (проволока, надувные фигуры, зеркала и др.). Художники многих течений провозглашают обыденные предметы произведениями скульптуры.

Цвет, издавна применяемый в скульптуре (античность, средние века, Возрождение), активно используется для повышения художественной выразительности станковой скульптуры и в наши дни. Обращение к в скульптуре или отказ от нее, возвращение к естественному цвету материала (камня, дерева, бронзы и др.) связаны с общим направлением развития искусства в данной стране и в данную эпоху

5. Архитектура - искусство проектировать и строить

Архитектура (лат. architectura, гр. аrchi - главный и tektos - строить, возводить) - зодчество, искусство проектировать и строить. Архитектура может выражать в художественных образах представления человека о мире, времени, величии, радости, торжестве, одиночестве и многих других чувствах. Вероятно поэтому говорят, что архитектура - это застывшая музыка.

Различают три основных вида архитектуры: объемные сооружения (культовые, общественные, промышленные, жилые и другие здания); ландшафтная архитектура (беседки, мостики, фонтаны и лестницы для скверов, бульваров, парков); градостроительство - создание новых городов и реконструкция старых. Комплексы построек и открытых пространств составляют архитектурные ансамбли. Архитектор должен заботиться о красоте, пользе и прочности создаваемых сооружений, иначе говоря - эстетические, конструктивные и функциональные качества в архитектуре взаимосвязаны.

В разные исторические периоды применялись разнообразные строительные материалы и технологии, существенно влияющие на создание архитектурных конструкций.

Современный уровень развития техники, использование железобетона, стекла, пластических масс и других новых материалов позволяют создавать необычные формы зданий в виде шара, спирали, цветка, ракушки, колоса и тому подобное.

Основные выразительные средства, применяемые в архитектуре - пластика объемов, масштабность, ритм, пропорциональность, а также фактура и цвет поверхностей. Архитектурные сооружения отражают художественный стиль эпохи, как и произведения любого другого вида искусства. Своей художественно-образной стороной архитектура отличается от простого строительства. Архитекторы создают для человеческой жизнедеятельности художественно организованное пространство, которое является возможной средой для синтеза искусств (ансамбль). Всемирно известные архитектурные сооружения и ансамбли запоминаются как символы стран и городов (пирамиды в Египте, Акрополь в Афинах, Колизей в Риме, Эйфелева башня в Париже, небоскребы в Чикаго, Кремль и Красная площадь в Москве и др.).

Полихромия (от греч. polys - многочисленный и chroma - цвет) - многоцветная раскраска или многоцветность материала в архитектуре , скульптуре , декоративном искусстве .

Раскраска многими цветами особенно характерна для изделий народного и декоративно прикладного искусства. Полихромный орнамент наиболее популярен, чем монохромный (одноцветность).

Полихромия часто использовалась в архитектуре и изобразительном искусстве Древнего Египта и античности. Различные сооружения, скульптурные рельефы, статуи, бюсты могли быть раскрашены несколькими яркими цветами.

В настоящее время цвет все активнее входит в скульптуру, особенно в мелкую пластику.

6. Основные направления и приемы современного искусства

Абстрагирование - один из основных способов нашего мышления. Его результат - образование наиболее общих понятий и суждений (абстракций). В декоративном искусстве абстрагирование - это процесс стилизации природных форм. В художественной деятельности абстрагирование присутствует постоянно; в своем крайнем выражении в изобразительном творчестве оно ведет к абстракционизму, особому направлению в изобразительном искусстве XX в., для которого характерны отказ от изображения реальных объектов, предельное обобщение или полный отказ от формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен, плоскостей и др.), эксперименты с цветом, спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, неорганизованных абстрактных формах (абстрактный экспрессионизм). К этому направлению можно отнести живопись русского художника В. Кандинского.

Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали логически упорядоченные конструкции, перекликаясь с поисками рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.) В скульптуре абстракционизм выразился меньше, чем в живописи. Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал "уступить инициативу формам, краскам, цвету".

Реализм (от фр. realisme, от лат. realis - вещественный) - в искусстве в широком смысле правдивое, объективное, всестороннее отражение действительности специфическими средствами, присущими видам художественного творчества.

Общими признаками метода реализма является достоверность в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство обладает огромным разнообразием способов познания, обобщения, художественного отражения действительности (Г.М. Коржев, М. Б. Греков, А.А. Пластов, А. М. Герасимов, Т. Н. Яблонская, П. Д. Корин и др.)

Реалистическое искусство XX в. приобретает яркие национальные черты и многообразие форм. Реализм - явление противоположное модернизму .

Авангардизм - (от фр. avant - передовой, garde - отряд) - понятие, определяющее экспериментальные, модернистские начинания в искусстве. В каждую эпоху возникали новаторские явления в изобразительном искусстве, но термин "авангардизм" утвердился только в начале XX в. В это время появились такие направления, как фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Затем в 20-е и 30-е годы авангардистские позиции занимает сюрреализм . В период 60-70-х годов добавляются новые разновидности абстракционизма - различные формы акционизма, работа с предметами (поп-арт), концептуальное искусство, фотореализм , кинетизм и др. Художники-авангардисты выражают своим творчеством своеобразный протест против традиционной культуры.

Во всех авангардистских направлениях, несмотря на их большое разнообразие, можно выделить общие черты: отказ от норм классического изображения, формальная новизна, деформация форм, экспрессия и различные игровые преобразования. Все это приводит к размыванию границ между искусством и реальностью (реди-мейд , инсталляция , энвайромент), созданию идеала открытого произведения искусства, непосредственно вторгающегося в окружающую среду. Искусство авангардизма рассчитано на диалог художника и зрителя, активное взаимодействие человека с художественным произведением, соучастие в творчестве (например, кинетическое искусство , хэппенинг и др.). Произведения авангардистских направлений порой теряют изобразительное начало и приравниваются к объектам окружающей действительности. Современные направления авангардизма тесно переплетаются, образуя новые формы синтетического искусства.

Андерграунд (англ. underground - подполье, подземелье) - понятие, означающее "подпольную" культуру, противопоставившую себя условностям и ограничениям традиционной культуры. Выставки художников рассматриваемого направления часто проходили не в салонах и галереях, а прямо на земле, а также в подземных переходах или метро, которое в ряде стран называют андеграундом (подземкой). Вероятно, данное обстоятельство также повлияло на то, что за данным направлением в искусстве XX в. утвердилось это название.

В России понятие андеграунд стало обозначением сообщества художников, представлявших неофициальное искусство.

Сюрреализм (фр. surrealisme - сверхреализм) - направление в литературе и искусстве XX в. сложившееся в 1920-х годах. Возникнув во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.).

Художники-сюрреалисты в отличие от абстракционистов не отказываются от изображения реально существующих предметов, но представляют их в хаосе, нарочито лишенными логических взаимосвязей. Отсутствие смысла, отказ от разумного отражения действительности - основной принцип искусства сюрреализма. Об оторванности от реальной жизни говорит и само название направления: "сюр" по-французски "над"; художники не претендовали на отражение действительности, а мысленно помещали свои творения "над" реализмом, выдавая за произведения искусства бредовые фантазии. Так, в число сюрреалистических картин вошли аналогичные, не поддающиеся объяснению работы М. Эрнста, Дж. Миро, И. Танги, а также предметы, обработанные сюрреалистами до неузнаваемости (М. Оппенгейм).

Сюрреалистическое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности.

Известен такой факт. Однажды на выставке перед произведением С. Дали долго стоял зритель, внимательно вглядываясь и пытаясь понять смысл. Наконец в полном отчаянии он громко сказал: "Я не понимаю, что это значит!" Возглас зрителя услышал находившийся на выставке С. Дали. "Как вы можете понять, что это значит, если я сам не понимаю", - заявил художник, выразив таким образом основной принцип сюрреалистического искусства: писать картины не думая, не размышляя, отказавшись от разума и логики.

Выставки произведений сюрреалистов сопровождались, как правило, скандалами: зрители возмущались, глядя на нелепые, непонятные картины, считали, что их обманывают, мистифицируют. Сюрреалисты обвиняли зрителей, заявляли, что те отстали, не доросли до творчества "передовых" художников.

Общие особенности искусства сюрреализма фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Художники обращалиссь к имитации первобытного искусства , творчества детей и душевнобольных.

Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, неотражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику и китч (нем. - kitsch; дешевка, безвкусная массовая продукция расчитанная на внешний эффект).

Отдельные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства , например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда.

Произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации, могут отождествляться в нашем восприятии со злом. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство, отчаяние - эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя, абсурдность произведений сюрреализма действует на ассоциативное воображение и психику.

Сюрреализм представляет собой противоречивое художественное явление. Многие действительно передовые деятели культуры, сознавая, что это направление разрушает искусство, впоследствии отказались от сюрреалистических взглядов (художники П. Пикассо, П. Клее и др., поэты Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший сюрреалистические фильмы). К середине 1960-х годов сюрреализм сменился новыми, еще более броскими направлениями модернизма, но причудливые, большей частью уродливые, бессмысленные произведения сюрреалистов до сих пор заполняют залы музеев.

Модернизм (фр. modernisme, от лат. modernus - новый, современный) - собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отдельных мастеров искусства XX в., порывающих с традицией, peaлизмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм, экспрессионизм, кубизм , футуризм, абстракционизм , дадаизм, сюрреализм , поп-арт , оп-арт , кинетическое искусство , гиперреализм и др.). Модернизм близок по значению авангардизму и противоположен академизму. Модернизм негативно оценивался советскими искусствоведами как кризисное явление буржуазной культуры. Искусство обладает свободой выбора своих исторических путей. Противоречия модернизма, как такового, необходимо рассматривать не статично, а в исторической динамике.

Поп-арт (англ. pop art, от popular art - популярное искусство) - направление в искусстве Западной Европы и США с конца 1950-х годов. Расцвет поп-арта пришелся на бурные 60-е годы, когда во многих странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи. Молодежное движение не имело единой цели - его объединял пафос отрицания. Молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Все это нашло отражение в искусстве.

Отличительная черта поп-арта сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно. Пожалуй, только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работали и работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и фугу Баха. Точно также поступает и поп-арт.

Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному. В картину вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р. Раушенберг, Э. Уор Хол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комикса может быть увеличена до размеров большого полотна (Р. Лихтенстейн). Скульптура может сочетаться с муляжами. Например, художник К. Олденбург создавал подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из необычных материалов

Между скульптурой и живописью часто нет границы. Художественное произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении.

Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его "обозначение", избавляющее автора от рукотворного процесса его создания, изображения чего-либо (М. Дюшан). Этот процесс был введен с целью расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной деятель-ности, "выхода" искусства в область массовой культуры. Художники поп-арта были инициаторами таких форм, как хэппенинг , предметная инсталляция , энвайромент и других форм концептуального искусства. Аналогичные течения: андеграунд , гиперреализм , оп-арт , реди-мейд и др.

Оп-арт (англ. ор art, сокращ. от optical art - оптическое искусство) - направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в 1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции (рассмотрены далее в разделе кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техническую линию модернизма .

7. Кинетическое искусство

Кинетическое искусство (от гр. kinetikos - приводящий в движение) - направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и других элементов динамики. Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов, однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме (В. Татлин, К. Мельников, А. Родченко), дадаизме.

Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села Богородское и др.

В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие - колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами. Бесконечно разнообразие используемых материалов - от традиционных до сверхсовременных технических средств, вплоть до компьютеров и лазеров. Часто в кинетических композициях применяют зеркала.

Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением - здесь кинетизм смыкается с оп-артом . Приемы кинетизма широко используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении площадей, парков, общественных интерьеров.

Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом и др.

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.