Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт
– один из самых загадочных и неоднозначных художников, чье творчество всегда вызывало массу вопросов. Одной из самых известных его работ является «Сын человеческий»
. На сегодняшний момент существует множество попыток интерпретировать символический подтекст картины, которую искусствоведы часто называют интеллектуальной провокацией.
Каждая картина Магритта – ребус, заставляющий раздумывать над множественными скрытыми смыслами. Их количество зависит исключительно от фантазии и эрудированности смотрящего: комбинации образов и названия картин настраивают зрителя на поиск разгадки, которой на самом деле может не существовать. Как говорил сам художник, главная его цель – заставить зрителя задуматься. Подобный эффект производят все его работы, поэтому Магритт называл себя «магическим реалистом».
Магритт – мастер парадоксов, он задает противоречащие логике задачи, а искать пути их решения оставляет зрителю. Образ человека в котелке – один из центральных в его творчестве, он стал символом самого художника. Парадоксальный объект на картине – яблоко, повисшее в воздухе прямо перед лицом человека. «Сын человеческий» – квинтэссенция концепции «магического реализма» и вершина творчества Магритта. У каждого, кто смотрит на эту картину, рождаются весьма противоречивые выводы.
Картину «Сын человеческий» Магритт написал в 1964 г. как автопортрет. Название работы отсылает к библейским образам и символам. Как писали критики, «названием картина обязана образу современного бизнесмена, оставшегося сыном Адама, и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире».
Впервые образ мужчины в пальто и в котелке появляется в «Размышлениях одинокого прохожего» в 1926 г., позже повторяется в картине «Смысл ночи». В 1950-х гг. Магритт снова возвращается к этому образу. Его знаменитая «Голконда» символизирует одноликую толпу и одиночество в ней каждого отдельного человека. «Человек в котелке» и «Сын человеческий» продолжают размышления над утратой индивидуальности современным человеком.
Лицо человека на картине закрывает яблоко – один из самых древних и многозначных символов в искусстве. В Библии яблоко – плод древа познания добра и зла, символ грехопадения человека. В фольклоре этот образ часто использовался как символ плодородия и здоровья. В геральдике яблоко символизирует мир, державу и власть. Но Магритт, судя по всему, апеллирует к первоначальным смыслам, используя этот образ как символ искушений, преследующих человека. В бешеном ритме современной жизни человек теряет индивидуальность, сливается с толпой, но не может избавиться от соблазнов, загораживающих, подобно яблоку на картине, реальный мир.
Вариации на тему *Сына человеческого* | Фото: liveinternet.ru
В наши дни «Сын человеческий» Магритта стал артефактом массовой культуры, этот образ бесконечно тиражируется, пародируется, трансформируется в рекламе и средствах массовой информации. В живописи творчество Магритта нашло множество последователей:
Алогизм, абсурд, сочетание несочетаемого, парадоксальная зрительная изменчивость образов и фигур - это основа основ сюрреализма. Основателем этого направления считается который в основе сюрреализма видел воплощение теории о подсознании Зигмунда Фрейда. Именно исходя из этого многие представители направления создавали шедевры, не отображающие объективную реальность, а были всего лишь воплощением отдельных образов, навеянных подсознанием. Полотна, написанные сюрреалистами, не могли быть порождением ни добра, ни зла. Все они вызывали различные эмоции у разных людей. Поэтому можно с уверенностью говорить о том, что это направление модернизма является достаточно противоречивым, что и поспособствовало его быстрому распространению в живописи и литературе.
Сюрреализм как иллюзорное и литературе XX века
Сальвадор Дали, Поль Дельво, Рене Магритт, Жан Арп, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико, Ив Танги, Майкл Паркес и Дороти Таннинг - это столпы сюрреализма, возникшего во Франции в 20-х годах прошлого века. Это направление территориально не ограничилось Францией, распространившись на другие страны и континенты. Сюрреализм значительно облегчил восприятие кубизма и абстракционизма.
Одним из основных постулатов сюрреалистов было отождествление энергии творцов с подсознанием человека, которое проявляет себя во сне, под гипнозом, в бреду во время болезни или же случайных творческих озарениях.
Отличительные характеристики сюрреализма
Сюрреализм - это сложное направление в живописи, которое многие художники понимали и понимают по-своему. Поэтому неудивительно, что сюрреализм развивался в двух концептуально разных направлениях. К первому ответвлению можно смело отнести Миро, Макса Эрнста, Жана Арпа и Андре Массона, в работах которых основное место занимали образы, плавно переходящие в абстракцию. Второе ответвление берет за основу воплощение ирреального образа, порожденного подсознанием человека, с иллюзорной точностью. В этом направлении работал Сальвадор Дали, который является идеальным представителем академической живописи. Именно его работам присуща точная передача светотени и тщательная манера письма - плотные предметы обладают осязаемой прозрачностью, твердые же растекаются, массивные и объемные фигуры приобретают легкость и невесомость, а несовместимые могут соединяться воедино.
Биография Рене Магритта
Наравне с произведениями Сальвадора Дали стоит творчество Рене Магритта - известного бельгийского художника, который родился в городе Лесине в 1898 году. В семье, кроме Рене. было еще двое детей, а в 1912 году случилось несчастье, которое повлияло на жизнь и творчество будущего художника - погибла мать. Это отразилось в картине Рене Магритта «Памяти Мака Сеннета», которая была написана в 1936 году. Сам художник утверждал, что обстоятельства никак не влияли на его жизнь и творчество.
В 1916 году Рене Магритт поступил в брюссельскую Академию искусств, где познакомился со своей будущей музой и женой Жоржетой Бергер. После окончания Академии Рене работал над созданием рекламных материалов, и относился к этому достаточно пренебрежительно. Футуризм, кубизм и дадаизм имели огромное влияние на художника, но в 1923 году Рене Магритт впервые увидел работу Джоржио де Кирико «Песня любви». Именно этот момент стал отправной точкой для развития сюрреалиста Рене Магритта. В это же время началось формирование течения в Брюсселе, представителем которого и стал Рене Магритт наравне с Марселем Лекамтом, Андре Сури, Полем Нуже и Камилем Гемансем.
Творчество Рене Магритта.
Работы этого художника всегда были неоднозначными и привлекали много внимания.
На первый взгляд, картина Рене Магритта наполнена странными образами, которые не только загадочны, но и многозначны. Рене Магритт не касался вопроса формы в сюрреализме, он вкладывал свое виденье в смысл и значение картины.
Многие художники уделяют особое внимание названиям. Особенно Рене Магритт. Картины с названиями «Это не трубка» или «Сын человеческий» пробуждают в зрителе мыслителя и философа. По его мнению, не только картина должна побуждать зрителя к проявлению эмоций, но и название должно удивить и заставить задуматься.
Что касается описаний, то многие сюрреалисты давали краткую аннотацию своим полотнам. Не исключение и Рене Магритт. Картины с описанием всегда присутствовали в рекламной деятельности художника.
Сам художник называл себя «магическим реалистом». Его целью было создание парадокса, а выводы публика должна делать сама. Рене Магритт в своих работах всегда четко проводил черту между субъективным образом и настоящей действительностью.
Картина «Влюбленные»
Рене Магритт написал серию полотен «Влюбленные» в 1927-1928 годах в Париже.
На первой картине изображены мужчина и женщина, которые слились в поцелуе. Их головы обмотаны белой тканью. На втором полотне изображены те же мужчина и женщина в белой ткани, которые смотрят с картины на публику.
Белая ткань в работе художника вызывает и вызывала бурные обсуждения. Существует две версии. Согласно первой белая ткань в работах Рене Магритта появилась в связи со смертью матери в раннем детстве. Его мать спрыгнула с моста в реку. Когда ее тело достали из воды, было обнаружена белая ткань, обмотанная вокруг головы. Что касается второй версии, то многие знали, что художник был поклонником Фантомаса - героя популярного кинофильма. Поэтому может быть, что белая ткань - это дань увлечению кинематографом.
О чем эта картина? Многие думают, что картина «Влюбленные» олицетворяет слепую любовь: влюбляясь, люди перестают замечать кого-то или что-то, кроме своей половинки. Но люди остаются загадками и для самих себя. С другой стороны, глядя на поцелуй влюбленных, можно говорить, что они потеряли голову от любви и страсти. Картина Рене Магритта наполнена взаимными чувствами и переживаниями.
«Сын человеческий»
Картина Рене Магритта «Сын человеческий» стала визитной карточкой «магического реализма» и автопортретом Рене Магритта. Именно эта работа считается одной из самых противоречивых работ мастера.
Свое лицо художник скрыл за яблоком, как бы говоря, что все не так, как кажется, и что люди постоянно хотят залезть в душу человеку и понять истинную суть вещей. Картина Рене Магритта и скрывает, и обнажает сущность самого мастера.
Рене Магритт сыграл важную роль в развитии сюрреализма, а его работы продолжают будоражить сознание все новых и новых поколений.
За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене.
Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться».
Рене Магритт. 1938 год
Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых популярных шляп. Головной убор считался неформальным и практичным одновременно, что делало его обязательной частью мужского гардероба.
Правда, в 1920-е годы тоже были эпизоды, когда аксессуар фигурировал в карьере Магритта. В те времена художник оставил свою работу в качестве иллюстратора для модного каталога. Ранние картины содержат в себе отсылки к поп-культуре, которая тогда ассоциировалась со шляпой-котелком. Магритт, который был страстным любителем криминальной литературы, работал над картиной «Убийца в опасности», где два детектива в котелках готовятся войти в комнату, где было совершено убийство.
Убийца в опасности. 1927 год
Затем художник отказался от «шляпного» мотива, не используя его несколько десятилетий. Шляпы вновь изобразились на холсте в пятидесятые-шестидесятые годы, став важной частью поздней карьеры Рене. К тому времени ассоциации с человеком в шляпе кардинально изменились: от четкой отсылки к профессии (к детективам, в основном), до символа среднего класса.
Но, как и положено в творчестве Магритта – все не так, как нам кажется. «Он играет с этим чувством: “Мы думаем, что мы знаем, кто этот человек, но знаем ли мы?” – говорит Кайтлин Хаскелл, организатор выставки Рене Магритта в Сан-Франциско. –Тут есть чувство интриги, не смотря на то, что сама фигура – стереотипно-буржуазна и не представляет особого интереса»
Шедевр, или тайны горизонта. 1955 год
«Если вы возьмете гениальность Магритта и должны будете рассказать о ней в одном предложении: “Почему Магритт так важен? Почему его образы являются неотъемлемой частью общественного воображения и сознания?” Все потому, что он создает невероятно понятные и четкие картины, в которых нет четкого смысла», – говорит Энн Умланд, куратор картин и скульптур Нью-Йоркского музея современного искусства. «Шляпа-котелок работает именно таким образом».
Существует теория, что шляпа функционировала в качестве «анонимайзера» для самого Рене. Примерно в те времена, когда на картинах вновь появились головные уборы, Магритт стал надевать шляпу для фотосессий. Вполне возможно, что галантные господа из картин – это автопортреты самого Рене.
Это проиллюстрировано в картине под названием «Сын Человеческий», которая выступает в качестве автопортрета художника. Рене рисует себе шляпу-котелок и крупное яблоко, плавающее перед его лицом, затмевающее его настоящую личность.
Сын человеческий. 1964 год
Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе.
По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.
Мой любимый сюрреалист может похвастаться многими шедевральными работами, скромно висящими в музее его имени в Брюсселе. Широкой же публике он известен благодаря двум головам, затянутым куском ткани, сидящим гробам, изображением трубки, а также женских половых органов, органично вписавшихся в лицо. Ну и, естественно, благодаря нему - сыну человеческому.
Образ мужчины в пальто и котелке проходит красной нитью через все творчество Магритта. Впервые он рисует схожий силуэт в 1926 году, назвав картину "Размышления одинокого прохожего". Некоторые исследователи его творчества полагают, что картина написана под впечатлением от смерти матери художника. (Покончила жизнь самоубийством, спрыгнув с моста).
Год спустя мотив котелка и пальто вновь всплывает в творчестве Магритта. "Смысл ночи". Смысл ночи, понятное дело, во сне.
В очередной раз Магритт вспоминает про данный образ лишь в 1951 году, создав картину "Ящик Пандоры". Предположительно, белая роза выступает символом надежды, оставшейся на дне ящика.
В 1953 году Магритт рисует знаменитую "Голконду" дождь из мужиков. Сам Рене утверждал, что данная картина олицетворяет одноликость толпы и одиночество индивидуума в ней, который может прикоснуться к настоящей жизни - опять же - лишь во сне.
В 1954 появляются "Великое столетие" и "Школьный учитель".
"Великое столетие"
"Школьный учитель"
В 1955 году человек в пальто и котелке раскрывается с разных сторон. Три фигуры, три луны, три реальности. "Шедевр или тайна горизонта"
В 1956 альтер-эго Магритта утрачивает форму и мимикрирует под горизонт - работа "Поэт воссозданный"
В 1957 году Магритт вдохновляется Боттичелли, помещая Весну на спину человека в пальто. "Готовый букет"
Сделав перерыв в три года, в 1960 пальто возвращается к благодарному зрителю. С собой оно приводит яблоко. "Почтовая открытка"
А также представителей фауны. Важная деталь - человек в пальто и котелке поворачивается к нам лицом. "Присутствие духа"
В 1961 году Гагарин совершил полет в космос, а Магритт нарисовал "Портрет Штефи Ланг", куда не преминул поместить два комплекта "пальто-котелок".
"Высший свет".
"Дух приключений"
В 1963 Магритт вновь немного поэкспериментировал с формой.
"Бесконечное признание"
"Сторонник порядка"
В 1964 художник пишет предтечу "Сына человеческого". "Человек в котелке"
И, наконец, мы добрались до, пожалуй, самой известной картины Магритта. "Сын человеческий" задумывался как автопортрет художника, символизируя современного человека, утратившего индивидуальность, но не избавившегося от соблазнов.
В этом же году была написана вариация "Сына человеческого" - "Великая война"
Спустя два года после "Сына Человеческого" Магритт вновь вернулся к котелкам. "Декалькомания" и "Королевский музей" датируются 1966.
"Декалькомания"
"Королевский музей"
На этом Магритт закончил свои отношения с котелками, но было поздно - образ пошел в массы. Немалую роль в опошлении картины сыграли шаловливые ручонки поклонников продукции Apple.
Впрочем, не стоит винить только адептов испорченного яблока - как правило, адаптация идеи обществом зачастую проходит болезненно для автора.
Апофеоз процесса - трансформация "сына человеческого" в нового героя прогрессивной молодежи. Чувствую, Магритт только что напоролся на гвоздь в своем гробу.
Что мы имеем на выходе? Один из ключевых образов художника опошлен и коммерциализирован. С другой стороны, разве не это служит доказательством всемирной известности?
Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт – один из самых загадочных и неоднозначных художников, чье творчество всегда вызывало массу вопросов. Одной из самых известных его работ является «Сын человеческий» . На сегодняшний момент существует множество попыток интерпретировать символический подтекст картины, которую искусствоведы часто называют интеллектуальной провокацией.
Каждая картина Магритта – ребус, заставляющий раздумывать над множественными скрытыми смыслами. Их количество зависит исключительно от фантазии и эрудированности смотрящего: комбинации образов и названия картин настраивают зрителя на поиск разгадки, которой на самом деле может не существовать. Как говорил сам художник, главная его цель – заставить зрителя задуматься. Подобный эффект производят все его работы, поэтому Магритт называл себя «магическим реалистом».
Магритт – мастер парадоксов, он задает противоречащие логике задачи, а искать пути их решения оставляет зрителю. Образ человека в котелке – один из центральных в его творчестве, он стал символом самого художника. Парадоксальный объект на картине – яблоко, повисшее в воздухе прямо перед лицом человека. «Сын человеческий» – квинтэссенция концепции «магического реализма» и вершина творчества Магритта. У каждого, кто смотрит на эту картину, рождаются весьма противоречивые выводы.
Картину «Сын человеческий» Магритт написал в 1964 г. как автопортрет. Название работы отсылает к библейским образам и символам. Как писали критики, «названием картина обязана образу современного бизнесмена, оставшегося сыном Адама, и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека и в современном мире».
Впервые образ мужчины в пальто и в котелке появляется в «Размышлениях одинокого прохожего» в 1926 г., позже повторяется в картине «Смысл ночи». В 1950-х гг. Магритт снова возвращается к этому образу. Его знаменитая «Голконда» символизирует одноликую толпу и одиночество в ней каждого отдельного человека. «Человек в котелке» и «Сын человеческий» продолжают размышления над утратой индивидуальности современным человеком.
Лицо человека на картине закрывает яблоко – один из самых древних и многозначных символов в искусстве. В Библии яблоко – плод древа познания добра и зла, символ грехопадения человека. В фольклоре этот образ часто использовался как символ плодородия и здоровья. В геральдике яблоко символизирует мир, державу и власть. Но Магритт, судя по всему, апеллирует к первоначальным смыслам, используя этот образ как символ искушений, преследующих человека. В бешеном ритме современной жизни человек теряет индивидуальность, сливается с толпой, но не может избавиться от соблазнов, загораживающих, подобно яблоку на картине, реальный мир.
