XVII век — начало Нового времени; в истории это понятие обозначает период победы и утверждения буржуазного строя в развитых странах Европы и в Америке. Внутри Нового времени принято выделять два периода: XVII- XVIII века — классическое, а с XIX века — новейшее время.
XVII век — ключевая фаза распада феодализма и вызревания внутри западноевропейского общества капиталистического уклада. Это время послереформационных гражданских войн, когда умами овладевают идеи веротерпимости и сильной государственности, которая только и может предоставить простор для гражданского развития личности; главный политический процесс столетия — становление национальных государств. В это время Западная Европа географически делится на два лагеря: страны Севера, где восторжествовала Реформация и победил протестантизм, и страны Юга, где сохранился католицизм. В северных странах бурно развивался новый хозяйственный уклад, в Голландии и в Англии произошли первые буржуазные революции. Правда, свершались они все еще в привычной оболочке религиозных войн. Революция в Голландии приняла форму борьбы за независимость от Испании; фанатичные испанцы, заботясь об утверждении католицизма, истребляли "нечестивцев", и палач Голландии, герцог Альба, умер с чистой совестью, заявив, что "не повинен в крови ни единого католика". В английской революции 1645-1649 годов противостояли друг другу сторонники короля и парламента; при дворе были сильны прокатолические настроения, а парламент был оплотом протестантизма. В 1618-1648 годах Германия была охвачена Тридцатилетней войной. Все это показывает, что религиозная сфера еще сохраняла свою важность и, чтобы проникнуть в массы, любая идея все еще должна была быть заключена в религиозную оболочку, но одновременно появляются новые мощные факторы идеологической жизни.
Во-первых, это период становления науки в современном смысле слова. На протяжении XVII века развитие Галилео Галилеем и Иоганном Кеплером учения Николая Коперника, открытие Уильямом Гарвеем кровообращения, обоснование метода естественных наук математиком Рене Декартом ознаменовали переворот в научном мышлении, произвели изменения в средневековой картине мира. Изобретение микроскопа и телескопа продемонстрировало отсутствие во Вселенной Бога и ее видимого конца, а также наличие всеобщей взаимосвязи в принципах строения Вселенной. Земля перестала восприниматься как твердый, неподвижный центр мироздания; мир был осмыслен как вечное движение, и атомистические представления определяли умонастроение эпохи. Исчезло представление об уютном небесном своде, на его место пришла холодная звездная бездна. Бог больше не следит за каждым движением людей — возникает представление о природе не как о божественной гармонии, благостном космосе, а как о совокупности материи, в принципе безразличной человеческой потребности в истине, добре и красоте. Природа из "матери", из лона человечества превращается в объект человеческого воздействия, который надо "покорить". В этом новом, безучастном, покинутом Богом мире человек почувствовал себя одиноким, заброшенным, утратил ощущение своей исключительности в мироздании и превратился в песчинку, затерянную во Вселенной.
В отличие от эпохи Возрождения с ее ясностью и гармонией, человек перестает восприниматься как мера всех вещей. Человек XVII века отказался от ренессансной стихийности, вольности; усталость от религиозных войн привела к стремлению к миру любой ценой, а для мира нужно было самоограничение, отказ от насилия. Жизнь без насилия способна обеспечить лишь сильная власть, сильное государство, в котором отдельная жизнь подчиняется надличным, общим для всех законам. Поэтому и в природном, и в социальном плане человек XVII века начинает осознавать себя как малую частицу огромного целого, как существо, подвластное надличным, природным законам, с которыми необходимо считаться. Поэтому XVII век точнее разглядел несовершенство мира, точнее воспринял человека. Если внешний мир — движущийся, изменчивый хаос, от которого человек целиком зависим, то взаимоотношения личности с этим миром, с обществом воспринимались как более драматичные, лишенные самодостаточности. Опорой человека в случайностях жизни может быть только разум, отсюда знаменитое определение человека, принадлежащее философу и писателю Блезу Паскалю: "Человек — мыслящий тростник". В этих словах Паскаль передает одновременно и слабость человека — он всего лишь хрупкий тростник, гнущийся на ветру, и его величие — тростник "мыслящий", значит способный осмыслить свои невзгоды, подняться над ними до трагического величия.
В философии это новое, дискретное видение мира отразил Рене Декарт (1590-1650 гг.), помимо математических трудов создавший книгу, обосновавшую рационализм как методологию естественных наук, — "Рассуждение о методе" .
В XVII веке наука еще не выделилась в самостоятельную форму общественного сознания; кризисная религиозность сложно взаимодействовала со становящейся наукой. Ни науке, ни нравственности в XVII веке было еще не по силам достичь автономии по отношению к религии. Поэтому религиозная проблематика продолжает играть существенную роль в искусстве XVII века.
Его особенности обнажаются сравнением с искусством эпохи Возрождения. Ренессанс отличали идиллическое, жизнерадостное представление о человеке и слиянность в нем личного и общественного, поскольку личное и общественное еще не были расчленены. Искусство XVII века пронизано трагическим гуманизмом, исходит из идеи борьбы антагонизмов во внутреннем мире человека, из представления о социальной обусловленности личности. Поэтому литература XVII века больше воспроизводит социальную действительность эпохи; это век роста публицистических жанров, формирования профессиональной литературной среды, периодической печати. Для литературного процесса XVII века характерна большая разветвленность; впервые так четко выделяются литературные течения, каждое со своей программой и организационными центрами.
Два художественных направления определяют литературу XVII века: классицизм и барокко. Между ними шла постоянная, иногда очень острая полемика, но важно подчеркнуть их глубинное сходство. Оба направления возникают как реакция на гуманизм Возрождения, как осмысление его итогов; оба устремлены к умопостигаемой идеальной гармонии бытия, но при этом парадоксально воспринимают мир как дисгармонию, впервые расчленяют разум и страсть; обоим направлениям свойственны монументальность, высокий нравственный пафос, напряженное биение мысли.
Барокко пронизано вдохновляющей верой в абсолютную реальность духовного — вот почему изобилие и динамика барокко, его социоцентризм и повышенное внимание к собственно художественной стороне ведут к удивительной предметности, наглядности произведений барочного искусства, к изображению в нем живой полноты бытия. Раньше эти черты барокко трактовали как "барочный реализм", но на самом деле барокко направлено на постижение нематериального, духовного, чудесного. В барокко сочетаются трагизм и предельно радостное отношение к жизни, и эта целостность отношения к жизни позволяет говорить о барокко как об искусстве тотально религиозном, прибегающем к символизму для выражения божественного смысла сущего. Это новое художественное видение породило новые стилевые черты: повышенную экспрессивность, сочетание иррационального и чувственного, аллегоризм, зрелищность, театральность. Если для мастеров Возрождения искусство было верным зеркалом, поставленным перед благой природой, то для художников барокко природа непознаваема, а, значит, все зеркала искусства дают только зыбкие, изменчивые образы действительности. Самая характерная метафора барокко — павильон волшебницы Армиды, стены которого представляют собой постоянно опрокидывающиеся зеркала, в которых всякий раз возникает новый образ окружающего мира. В барокко, утверждавшем идею иррационального мира, сильна рационалистическая струя: фатальному злу должна противостоять сила разума, и здесь еще одна точка соприкосновения барокко с классицизмом.
Классицизм — ведущее направление в литературе XVII века. Он зародился в начале XVI века в Италии, в среде университетских ученых, создававших собственные сочинения по законам только что заново прочитанной "Поэтики" Аристотеля. Постепенно из Италии классицизм распространился в другие европейские страны и высшего расцвета достиг в XVII веке во Франции, где в 1674 году Никола Буало опубликовал поэтический трактат "Искусство поэзии", ставший на полтора века непререкаемым сводом требований к литературе.
Часто главной чертой классицизма называют нормативность, требование к художникам следовать всем нормам и правилам классицистической доктрины. Но Буало только обобщил и изящно, афористично сформулировал правила, сложившиеся задолго до него; притом, как видно из самой его поэмы, на практике этим законам не следовали в точности даже самые восхваляемые им литераторы-классицисты. Нормативность следует понимать как следствие отсутствия в классицизме исторического мышления и абсолютной опоры на разум. Классицисты считали, что вечные и неизменные, единые для всего человечества законы разума порождают в сфере прекрасного "хороший вкус"; он уже воплощен образцово и непревзойденно в практике античного искусства, а законы его теоретически сформулированы в "Поэтике" Аристотеля.
Раз существуют вечные и неизменные законы творчества, то художнику остается лишь строго следовать им, изучать их, опять-таки с помощью разума, и подавлять при этом прихоти своей фантазии. Действительность искусство изображает такой, какой она должна быть с позиций разума, — иными словами, классицизм изображает жизнь не такой, какая она есть, а рисует идеал. Жизнь должна предстать в произведении искусства облагороженной, прекрасной, но эстетическое наслаждение не самоцель — классицисты понимают его как сильнейшее средство воздействия на человека, путь к совершенствованию человеческой натуры, воспитанию нравов, а, значит, важнейшая функция искусства — способствовать улучшению общества. Поэтому особое внимание классицисты уделяли театральному искусству, у которого в XVII веке не было соперников по охвату аудитории. Работа для театра имела особое общественное значение — отсюда расцвет драматургии в эпоху классицизма.
Облегченный подход все эти принципы классицизма сводил к одному — к требованию подражания античным авторам, к воспроизведению системы античной литературы. Но верность духу античности не означала, разумеется, простого повторения античных образцов: классицисты учились у античных авторов, но они впитали и уроки Возрождения, и главным образцом для подражания у них все-таки был идеал природы. Рационализм, лежащий в основе классицизма, привел к разработке строгой иерархии жанров, разделению их, в зависимости от материала изображения и употреблявшегося языка, на "высокие " и "низкие", причем смешение жанров не допускалось. Как среди "высоких" жанров (эпопея, трагедия, ода), так и среди "низких" (сатира, басня, комедия) первенствовали во французском классицизме жанры драматургические, то есть трагедия и комедия.
Литература
- Большаков В. Французская драматургия первой половины XVII века и мировоззрение Нового времени. Орехово-Зуево, 1992.
- Бордонов Ж. Мольер. М., 1983.
- Бояджиев Г. Н. Мольер. Исторические пути формирования жанра высокой комедии. М., 1967.
- Булгаков М. А. Жизнь господина де Мольера. М., 1991.
- Леонов С. А. Литература классицизма в школьном изучении. М., 1997.
- Литературные манифесты западноевропейских классицистов. М., 1980.
- Обломиевский Д. Д. Французский классицизм. М., 1968.
- Сигал Н. Пьер Корнель. М., 1957.
Университет Российской Академии Образования
Особенности Барокко и Классицизма.
Главные стили в искусстве 17 века.
Выполнила: Студентка 2-го курса
Очного отделения
Спец-ти культурология
Якубова К.Н.
Преподаватель: Мареева Н.С.
Москва 2010 г.
Введение………………………………………………………………………...…3
1. Характеристика культуры XVII века………...……………………………...4
2. Барокко как художественное течение XVII века…………………………..5
2.1. Предпосылки и черты барокко……………………………………….…..5
2.2. Барокко в архитектуре…………………………………………………....6
2.3. Барокко в литературе………………………………………………..........8
2.4. Барокко в живописи и скульптуре………………………………………..9
3. Классицизм как художественное течение XVII века ……………...……..10
3.1. Предпосылки и черты классицизма………………………………….….10
3.2. Классицизм в литературе…………………………………………..….....11
3.3. Классицизм в архитектуре и живописи…………………………………12
3.4. Классицизм в скульптуре…………………………………………….….13
Заключение……………………………………………………………………….14
Список литературы……………………………………………………………....15
Введение
Тема моей контрольной работы «Классицизм и барокко в европейской культуре XVII в.: идеи и воплощения». Выбор этой темы обусловлен рядом причин:
Во-первых, барокко и классицизм – два наиболее широких и влиятельных художественных течения рассматриваемой эпохи.
Во-вторых, данные направления сложны и двойственны по своей природе, что делает этот вопрос одним из самых актуальных в культурологическом познании.
В-третьих, барокко и классицизм представляют выдающийся вклад в мировую сокровищницу искусства, что вызывает еще больший интерес к их познанию.
Целью моей работы является исследование таких направлений в искусстве XVII века как классицизм и барокко.
Для достижения поставленной цели мне необходимо решить ряд задач:
· Рассмотреть общие закономерности развития европейской культуры XVII века;
· Исследовать особенности барокко и классицизма как основных художественных течений указанного периода.
1. Характеристика культуры XVII века
XVII век - век Декарта и Пор-Рояля, Паскаля и Спинозы, Рембрандта и Мильтона, век отважных мореплавателей, переселений в заморские страны, смелой торговли, расцвета естествоиспытания, морализирующей литературы – и…век парика, достигающего наибольшей пышности в 60-е годы, парика, который носил каждый – от короля, адмирала до купца.
XVII век не случайно открывает период Нового времени: это действительно был век нового человека, новой науки, нового искусства.
В Европе Новое время обнаруживает себя в становлении и усилении капиталистических тенденций, а в Англии капитализм наиболее явственно утверждается в реальности. Это же время - период первой буржуазной революции, обнаружившей трагизм и бесчеловечность насильственных перемен в обществе, и жестокость ее организаторов.
Выделился и укрепился рационалистический подход к действительности, главную роль в мире начинает играть разум. Это выразилось, прежде всего, в становлении новой науки, как экспериментальной, так и теоретической. Научные достижения XVII века создают предпосылки для дальнейшего развития фундаментальных наук вплоть до современности и формируют основы нового философского взгляда на мир.
XVII век – начальный период в становлении буржуазного способа производства. Это крайне сложная и противоречивая эпоха в жизни европейских государств. Эпоха ранних буржуазных революций и расцвета абсолютистских монархий; время научной революции и завершающий этап Контрреформации; эпоха грандиозного, экспрессивного барокко и сухого, рассудочного классицизма.
2. Барокко как художественное течение XVII века
2.1. Предпосылки и черты барокко
Барокко (ит. Bаrоссо - странный, причудливый) - одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы конца XVI - середины XVIII вв. Оно возникло в Италии и распространилось в большинстве европейских стран. Воплощая новые представления о вечной изменчивости мира, барокко тяготеет к эффектным зрелищам, сильным контрастам, совмещению иллюзорного и реального, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).
Стиль барокко получил преимущественное распространение в католических странах, затронутых процессами Контрреформации. Возникшая в Реформацию протестантская церковь была весьма нетребовательна к внешней зрелищной стороне культа. Зрелищность и была превращена в главную приманку католицизма, ей приносилось в жертву само религиозное благочестие. Как нельзя лучше целям возврата паствы в лоно католической церкви отвечал стиль барокко с его грациозностью, порой утрированной экспрессивностью, патетикой, вниманием к чувственному, телесному началу, проступающим весьма отчетливо даже при изображении чудес, видений, религиозных экстазов.
Но сущность барокко шире вкусов католической церкви и феодальной аристократии, которая стремилась использовать эффекты грандиозного и ослепляющего, свойственные барокко, для восславления могущества, пышности и блеска государства и мест обитания лиц, приближенных к трону.
Стиль барокко с особой остротой выражает кризис гуманизма, ощущение дисгармоничности жизни, бесцельных порывов к неведомому. По сути он открывает мир в состоянии становления, а становящимся миром был тогда мир буржуазии. И в этом открываемом для себя мире буржуа ищет стабильности и порядка. Синонимом устойчивости занимаемого места в мире выступают для него роскошь, богатство. Получается, что стиль барокко соединяет в себе несоединимое: монументальность – с динамизмом, театральный блеск – с солидностью, мистику, фантастичность, иррациональность – с трезвостью и рассудочностью, истинно бюргерской деловитостью.
Центром развития искусства барокко на рубеже XVI-XVII вв. был Рим. Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет, а позже натюрморт и пейзаж, - становятся основными видами и жанрами искусства барокко.
2.2. Барокко в архитектуре
Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф.Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко- теламон (атлант), кариатида, маскарон.
В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение- фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после крупного землетрясения 1693 года появился новый стиль позднего барокко- сицилийское барокко.
Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645-1652гг.).
Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (тогда Фландрии), Нидерландах, России, Франции. Испанское барокко, или по местному чурригереско (в честь архитектора Чурригеры), распространившееся также в Латинской Америке. Наиболее популярный памятник его- собор в Сантьяго де Компостела, является также одним из наиболее почитаемых верующими храмов Испании. В Латинской Америке барокко смешалось с местными архитектурными традициями, это- самый вычурный его вариант, и называют его ультрабарокко.
Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. Раньше считалось, что здесь стиль вообще развития не получил, и памятники барокко считались памятниками классицизма. Иногда употребляют термин «барочный классицизм» применительно к французскому и английскому вариантам барокко. Сейчас к французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Они действительно имеют некоторые черты классицизма. Характерной чертой стиля барокко является регулярный стиль в садово-парковом искусстве, примером которого является Версальский парк.
2.3. Барокко в литературе
Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями, оксюморонами. Бытует бурлескно-сатирическое отношение к действительности.
Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность). Этика барокко отмечена тягой к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения (Ф. де Кеведо, П. Кальдерон). Известна пьеса Кальдерона «Жизнь есть сон». Развиваются и такие жанры, как галантно-героический роман (Ж. де Скюдери, М. де Скюдери), реально-бытовой и сатирический роман (Фюретьер, Ш. Сорель, П. Скаррон). В рамках стиля барокко рождаются его разновидности, направления: маринизм, гонгоризм (культеранизм), консептизм (Италия, Испания), метафизическая школа и эвфуизм (Англия).
Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали (Оноре д’Юрфе, «Астрея»). В поэзии процветают вычурность, использование сложных метафор. Распространены такие формы, как сонет, рондо, кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы.
На западе в области романа выдающийся представитель- Г. Гриммельсгаузен (роман «Симплициссимус»), в области драмы- П. Кальдерон (Испания). В поэзии прославились В. Вуатюр (Франция), Д. Марино (Италия), дон Луис де Гонгора-и-Арготе (Испания). В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович, ранний М. Ломоносов. Во Франции в этот период процветала «прециозная литература». Культивировали ее тогда, главным образом, в салоне мадам де Рамбуйе, одном из аристократических салонов Парижа, наиболее модном и знаменитом.
Семнадцатый век - время сложения абсолютизма во Франции, ставшего политической моделью государственности для многих стран Европы. После нескольких столетий войн и смуты, совпавших с концом средневековья, абсолютная монархия была основой стабильности и общественного порядка, гарантией территориальной и национальной целостности страны, она воспринималась современниками символом не только государственной мощи, но и величия нации, ее неповторимой культуры. В жизни абсолютной монархии царил дух театрализованной пышности придворных церемоний и жесткой обязательности этикета, определявшего строгую субординацию всех слоев общества. Королевский двор и сам король были не только центром, "солнцем", вокруг которого формировались все государственные институты, среда верного королю дворянства, но и складывались многие значительные явления культуры. В борьбе разнообразных течений, местных и общеевропейских традиций в XVII веке сложилась национальная школа живописи Франции, которой предстояло в последующие столетия вести за собой художников всей Европы. Барочная помпезность придворного искусства, традиции европейского караваджизма и реалистические тенденции французской "школы реальности", наконец, принципы официального академического искусства дают представление о сложности художественной жизни страны. Однако определяющим национальным стилем стал классицизм, непосредственно связанный с философией рационализма и с самыми передовыми общественными идеями времени.
Классицизм, художественный стиль в европейском искусстве 17–начала 19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века. Лежащие в основе классицизма принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классического стиля на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы. определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей – разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил; закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий – живописи и скульптуры (1648) и архитектуры (1671). В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины; отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Пуссена Никола, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века, в своих живописных произведениях, преимущественно на темы античной древности и мифологии, давший непревзойдённые образцы геометрически точной композиции и продуманного соотношения цветовых групп.
"Битва израильтян с аморреями" (около 1625-1626, парная картине "Битва израильтян с амалекитянами" из Эрмитажа).
"Ринальдо и Армида". Написанная на сюжет поэмы Торквато Тассо "Освобожденный Иерусалим", она изображает тот момент романтической легенды, когда коварная волшебница Армида собиралась убить юного рыцаря-крестоносца Ринальдо, "но лед ее сердца растаял в лучах любви". Рыцарский сюжет
Холодно-рассудочный нормативизм Пуссена вызвал одобрение версальского двора и был продолжен придворными художниками вроде Лебрена , которые видели в классицистической живописи идеальный художественный язык для восхваления абсолютистского государства «короля-солнца ». Хотя частные заказчики предпочитали различные варианты барокко и рококо , французская монархия поддерживала классицизм на плаву за счёт финансирования таких академических учреждений, как Школа изящных искусств . Римская премия предоставляла наиболее талантливым ученикам возможность посетить Рим для непосредственного знакомства с великими произведениями древности.
"идеальные пейзажи" (живописец Лоррен Клод ). в своих антиквизированных пейзажах окрестностей «вечного города» упорядочивал картины природы путём гармонизации их светом заходящего солнца и введением своеобразных архитектурных кулис.
Воспоминание и мечта, мир человеческой души, ее мимолетных настроений и фантазий становятся для живописи, театра и музыки более реальными ценностями, чем сама действительность. Свое высшее выражение эти особенности мироощущения эпохи нашли в исполненной меланхолической иронии живописи французского художника Антуана Ватто и трепетной эмоциональности музыки Моцарта - двух гениев европейской культуры XVIII века. В коллекции музея хранятся два ранних произведения Антуана Ватто (1684-1721) - "Бивуак" и "Сатира на врачей" . В его поэтическом и мечтательном искусстве уже на заре нового века предощущается рафинированная изысканность образов театра и музыки, определивших высшие достижения европейской культуры XVIII столетия. "Сатира на врачей" (1710-е) воспринимается как прямая иллюстрация комедии Мольера "Мнимый больной". Картина была создана, по-видимому, когда Ватто работал в мастерской своего учителя, театрального декоратора Клода Жилло. В хорошо отрежиссированной мизансцене ясно различаются отдельные характеры-маски, близкие к персонажам комедии дель арте. Торжественно самодоволен доктор в красной мантии с ослиным хомутом на шее. Испуганный больной поспешно убегает от неумолимых лекарей с их медицинской бутафорией, подобной орудиям пытки. Но в веселых персонажах картины сквозь условность театральной маски прозревается прелесть живых характеров, бойких и лукавых или исполненных меланхолической задумчивости. В движениях актеров привлекает юношеская грация одних, которая оттеняет тяжелую неповоротливость других. В красках полуфантастических костюмов чарует тонкость цветовых сочетаний розового и голубого, сиреневого и оливково-зеленого.
Пышность, декоративность, классицизм. Скрещиваются Итало-нидерланд-маньеристич. Тенденции, реалистические традиции национальной школы. Преобладает портрет. Придворное искусство:
Симон Вуэ (1590-1649)- влияние Караваджо и венецианских живописцев. Близким к традициям барокко было творчество французского живописца Симона Вуэ (1590-1649). Как и многие крупнейшие европейские живописцы этого столетия, он сформировался в интернациональной художественной среде Рима на изучении античного, ренессансного и современного ему итальянского барочного искусства.
«Благовещение" (1632) - Евангельский сюжет в интерпретации Вуэ приобретает характер галантной сцены, с манерной театрализованностью жестов и чувствительностью мимики. Характерное для стилистики барокко сочетание мистического чуда и нарочито бытовых деталей, вроде корзиночки с рукоделием, подчинено в произведении французского придворного мастера холодной элегантности и
декоративной эффектности живописи.
На рубеже XVI - XVII веков огромное влияние на развитие всех крупнейших европейских художественных школ, и французской в частности, оказало сформировавшееся в Италии направление караваджизма. Валантен де Булонь (1591-1632) - французский последователь родоначальника европейского реализма в живописи Микеланджело да Караваджо.
"Отречение Святого Петра" написана на евангельский сюжет.
Жак-Луи Давид . «Клятва Горациев » (1784).
Вопрос 53. Сочетание кирпича и камня. - При Генрихе IV декоративные эффекты часто достигаются такими конструктивными приемами, в которых цветовые контрасты дают, при небольших затратах, фасады оживленного и разнообразного вида; такова конструкция стен в виде каркаса из тесаных камней с заполнением грубой кладкой. Поверхность заполнения покрыта цветной штукатуркой: по традиции, идущей от раннего ренессанса, обрамление проемов соединяется через все этажи (рис. 437). образуя от фундамента до люкарн длинные белые полосы, выделяющиеся на красном фоне стен и на голубом фоне шиферных кровель. К самым ранним памятникам этого стиля относится дворец Майен на улице Сент-Антуан . восходящий к эпохе Генриха III.
Затем следуют: при Генрихе IV дворец кардинала Бурбона в аббатстве Сен-Жермен де Прэ . строения на площади Дофина и на площади Вогезов (рис. 437); при Людовике XIII - основное ядро Версальского дворца: один из последних примеров этого стиля - дворец Мазарини (Национальная библиотека), построенный Франсуа Мансаром в несовершеннолетие Людовика XIV. К этой же архитектуре принадлежит и дворец Рамбуйе .
Декорирование ордерами Архитектура кирпича и камня, явно проникнутая стремлением к экономии, больше всего подходит для зданий, от которых не требуется ничего, кроме изящной простоты. Для монументальных сооружений прибегают к ордерным украшениям, причем во Франции, как и в Италии, колеблются между двумя решениями: делать ли эти украшения в соответствии с масштабом всего фасада, или же в масштабе только того этажа, который они украшают. Отсюда в ордерной архитектуре наблюдается два течения. которые мы и проследим ниже.
Декорирование, увязанное с масштабом этажей. - Когда декорирование увязывается с масштабом этажей, то обычно в каждом этаже помещаются различные ордера; таковы сооружения Танлэ (департамент Ионны), возведенные в конце царствования Генриха IV. При Людовике XIII традицию применения малых ордеров продолжает С. де Бросс в Люксембургском дворце и на фасаде Сен-Жервэ .
Менее всего пользовалась успехом система малых ордеров в начале XVII в. Во дворце Торпанн была сделана попытка найти компромиссное решение: сохранить антаблемент и уничтожить пилястры или заменить их столбами.
За все время царствования Генриха IV мы встречаем только одно откровенное применение традиционной системы - галерею Лувра. Нижний этаж был построен раньше (он восходит к эпохе Екатерины Медичи), и нужно его было согласовать с крылом дворца, карниз которого приходился на уровне М\ переход этот обеспечивают антресоли MN.
Декорирование колоссальным ордером. - В числе первых зданий, где несколько этажей были объединены в один большой ордер пилястров, мы уже называли крыло замка Шантильи . относящееся к эпохе Генриха II.
Мы приводим фрагмент фасада Он наглядно показывает те трудности, которые связаны с этой системой. Антаблементы достигают непомерной величины, чтобы сохранить пропорциональность с пилястрами; окна теряются и как бы стушевываются. Ради антаблемента идут на уступки классическим пропорциям, но, чтобы не лишать окон их значения, захватывают ими часть крыши, превращая их в своего рода люкарны. не связанные ни с фасадом, ни с крышей; иногда даже пытаются охватить окна двух этажей одним обрамлением, как бы симулируя один общий проем.
Благодаря всем этим компромиссам колоссальный ордер становится одним из обычных элементов французской архитектуры. Мы встречаем его при Генрихе III во дворце Диан де Франс (улица Павэ, в Марэ); при Генрихе IV его применили в галерее, соединяющей Лувр с Тюильри (рис. 440. L): построенный во времена Людовика XIII дворец герцогини Савойской (улица Гарансьер) представляет пример ионийских пилястров, решительно выходящих из масштаба. Дорийские пилястры более скромных размеров украшают Версальский дворец.
К началу царствования Людовика XIV все более и более решительно проявляется склонность к большим ордерам. В них находят го величие, которое отвечает новым притязаниям монархии. Лево и Дорбэ применяют их в старом южном фасаде Лувра, в замке Во. в коллеже Четырех наций (Институт); Лемюэ пользуется этой торжественной формой для дворца д"Аво (улица Тампль): Фр. Мансар применяет ее на главном фасаде монастыря Минимов в Сент-Антуанском предместье.
Впоследствии Перро, в 1670 г., позаимствует колоссальный ордер как тему для своей Луврской колоннады, а в XVIII в. Габриэль повторит этот ордер во дворцах на площади Согласия.
Обработка рустами. - Мы уже указывали на те последствия, какие вытекают из применения колоссального ордера: необходимость огромных карнизов и необходимость чрезмерно увеличивать проемы. Можно до некоторой степени сохранить величие, которое придает архитектурной композиции ордер, поднимающийся от самого основания здания, если заменить пилястры рустованными лопатками. Затраты при этом уменьшаются, и в то же время, так как формы ордера становятся как бы только подразумеваемыми, требования пропорций приобретают менее повелительный характер, что позволяет ограничить и значение антаблементов, и величину окон.
Членение фасадов рустованными лопатками вместо пилястров применено Лемерсье в царствование Людовика XIII в замке Ришелье и в Кардинальском дворце: при Людовике XIV этими приемами пользовались Л. Брюан - для обработки фасадов Дома инвалидов . Фр. Мансар - для Валь де Грае . Перро - для северного выступа Лувра.
Декорирование посредством панно. - Архитектура не останавливается на этом пути к упрощению. В конце концов уничтожаются и эти рустованные лопатки; антаблемент, увенчивающий фасад, покоится на голых стенах, едва украшенных обрамлениями, которые обрисовывают границы промежуточных панно.
Двор Дома инвалидов представляет прекрасный пример таких фасадов, где от ордеров остались только профили карнизов и лопатки. В таком же духе Перро украшает Обсерваторию, Фр. Блондель - ворота Сен-Дени, Бюллэ - ворота Сен-Мартэн.
От латинского classicus –образцовый. Стиль или направление в литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в 17 в. во Франции. В 18 в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов. Соответственно возвышенным этическим идеям, воспитательной программе искусства эстетика классицизма устанавливала иерархию жанров – «высоких» (трагедия, эпопея, ода; историческая, мифологическая, религиозная картина и т.д.) и «низких» (комедия, сатира, басня; жанровая картина и т.д.). В литературе (трагедии П.Корнеля, Ж. Расина, Вольтера, комедии Мольера, поэма «Поэтическое искусство» и сатиры Н. Буало, басни Ж.Лафонтена, проза Ф. Ларошфуко, Ж. Лабрюйера во Франции, творчество Веймарского периода И.В.Гёте и Ф. Шиллера в Германии, оды М. В. Ломоносова и Г. Р.Державина, трагедии А.П.Сумарокова и Я.Б.Княжнина в России) ведущую роль играют значительные этические коллизии, нормативные типизированные образы. Для театрального искусства [Мондори (Mondory), Т. Дюпарк (T. Duparc), М. Шанмеле, А.Л.Лекен, Ф.Ж.Тальма, Рашель во Франции, Ф.К. Нейбер в Германии, Ф.Г. Волков, И.А. Дмитревский в России] характерны торжественный, статичный строй спектаклей, размеренное чтение стихов. В музыкальном театре утвердились героика, приподнятость стиля, логическая ясность драматургии, доминирование речитатива (оперы Ж.Б.Люлли во Франции) или вокальная виртуозность в ариях (итальянская опера-сериа), благородная простота и возвышенность (реформаторские оперы К.В.Глюка в Австрии). Архитектуре классицизм (Ж. Ардуэн – мансар, Ж.А.Габриель, К.Н.Леду во Франции, К.Рен в Англии, В.И.Баженов, М.Ф.Казаков, А.Н.Воронихин, А.Д.Захаров, К.И.Росси в России) присуще чёткость и геометризм форм, рациональная ясность планировки, сочетания гладкой стены с ордером и сдержанным декором. Изобразительное искусство (живописцы Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж.Л.Давид, Ж.О.Д.Энгр, скульпторы Ж.Б.Пигаль, Э. М.Фальконе во Франции, И.Г. Шадов в Германии, Б. Торвальдсен в Дании, А. Канова в Италии, живописцы А.П.Лосенко, Г.И.Угрюмов, скульпторы М.П. Матрос в России) отличается логическим развертыванием сюжета, строгой уравновешенностью композиции, пластичной ясностью форм, чёткой гармонией линейных ритмов.
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО.
В 18 веке во Франции зародился новый художественный стиль – классицизм. Название" классицизм" буквально можно перевести как «основанный на классике», «образцовый». Его возникновение связано с переменами в политической жизни и философской мысли.
Особая форма государственного устройства – абсолютизм, связанная с именем короля Людовика 14, афористично и полно выражается в одной королевской формуле: «Государство – это я».
Новое философское направление – рационализм – провозглашало приоритет человеческого разума. Законы красоты вполне постижимы рационально, значит, искусство должно основываться на определённых правилах. Задача искусства – воплощение идеального порядка.
Идеалом называлась античность, но классицизм, призывавший воплотить в жизнь традиции классического искусства, на самом деле был очень далёк от жизнеутверждающего эллинского мира. Ближе всего к тем, кто призывал: «Вперёд – в прошлое!», была, пожалуй, философия римских стоиков, которые призывали хранить непоколебимую стойкость духа среди всеобщего хаоса.
Ранний классицизм был слишком правильным, слишком умозрительным и отвлечённым. Писатели того времени – прежде всего, драматурги Корнель, Расин, Мольер – разрабатывали теорию классицизма и воплощали её на практике. Пороки и добродетели в классицической драме распределены чётко, в характерах нет тонов и полутонов: если герой – то на все сто процентов, если подлец – то на все двести. Главный конфликт трагедии классицизма – конфликт между чувством и долгом, причём побеждает именно долг. Удивительным образом теория и практика классицизма соединяются в садово-парковом искусстве. Так, парк при королевской резиденции в Версале был распланирован по строгим законам: бассейны чёткой геометрической формы, прямые аллеи, чистые горизонтальные линии. Клумбы напоминают идеальный цветной паркет, и даже кустам деревьям не позволяется никакая вольность: их кронам с помощью ножниц и секаторов приданы конусовидные и шарообразные формы. Строгая регулярная планировка мастера садов и парков Ленотра – воплощение рационалистического духа классицизма.
Расцвет неоклассицизм пришёлся на эпоху Великой Французской революции(1789 – 1794).Эпикурейским настроениям и любовным причудам рококо были противопоставлены простота форм, пафос исполнения гражданского долга, идейность и правильность.
В живописи классицизм наиболее ярко представлен произведениями Никола Пуссена, Жана Батиста Шардена, Огюста Доминика Энгра. Самым последовательным представителем неоклассицизма был певец революции Жак Луи Давид.
ГРЕЗ. Во Франции мыслители эпохи Просвещения, явившиеся духовными предчами революции, старательно пестовали наметившуюся в живописи тенденцию отрицания рококо. Такой поворот во взглядах, сначала касавшийся скорее содержания, чем стиля, был вызван внезапно возникшей в шестидесятых годах XVIII века популярностью Жана-Батиста Греза (1735 – 1850). Его «Деревенская невеста», как и другие его картины тех лет, изображает сцену их жизни низшего сословия. От более ранних жанров полотен её отличает театральность композиции, заимствованная из «немых сцен» Хогарта. Но в произведениях Греза нет ни насмешки, ни сарказма. Его моралистическая картина служит иллюстрацией к социальным проповедям Жан-Жака Руссо: бедным, в отличие от безнравственных аристократов, присуще «естественные» добродетели и подлинность чувств. Всё в картине призвано напомнить нам об этом, начиная с патетических жестов и выражения лиц изображённых персонажей и кончая самой незначительной деталью – курицей с выводком цыплят, которых мы видим на переднем плане. Один цыплёнок покинул своих братьев и сестёр и примостился к краю миски с водой, так и невеста вот-вот покинет свою семью. «Деревенская невеста» была признана шедевром, и громче всех её хвалил Дени Дидро – этот апостол Разума и Природы. Наконец, говорил он, появился художник, который выполняет социальную миссию, взывает к нравственному чувству зрителя, а не стремиться просто, доставить удовольствие, как это делали легкомысленные художники периода рококо! В первом порыве восторга Дидро оценил сюжет картины Грезе по формуле Пуссена, как «благородное и серьёзное деяние человека».
ДАВИД. Позже, когда на сцене появился ещё более одарённый художник, строгий «неопуссенист» Жан-Луи Давид (1748 – 1825), Дидро переменил свою точку зрения. Если судить по картине «Смерть Сократа», написанной в 1787 году, Давид является большим «пуссеном», чем сам Пуссен. Композиция разворачивается, как в рельефе, параллельно плоскости картины, а фигуры монументальны и неподвижны, словно статуи. Давид внёс в картину неожиданную деталь – освещение, оно резко сфокусировано и создаёт чёткие тени. Этот вполне реалистический приём он заимствовал у Караваджо. Таким образом, картины приближаются к жизни, что несколько удивляет в столь доктринерском воплощении нового идеального стиля. Восприняв античность как пример гражданственности и свободолюбия, стал основоположником т.н. революционного классицизма конца 18 в., исполнил строгие по композиции и по ритму произведения большого общественного звучания («Клятва Горациев», 1784), портреты («Врач А. Левуа», 1783). В годы Французской революции организатор художественной жизни, создатель портретов, исторических картин, в т.ч. посвящённых актуальным современным событиям («Смерть Марата», 1793). С 1804 «первый художник» Наполеона I, писал эффектные парадные композиции («Коронование Жозефины», 1805 – 1807). В 1816 эмигрировал в Бельгию.
Классицисты стремились подражать образцам античного искусства, следовали нормам, изложенным античными теоретиками искусства (Аристотелем и Горацием). Классицизм поражает гражданственность, масштабностью, торжественностью, гармоничностью форм.
Цель искусства классицисты видели в познании истины, которая выступает как идеал прекрасного. Классицисты выдвигают метод его достижения, основываясь на трёх центральных категориях своей эстетики: разум, образец, вкус. Все эти категории считались объективными категориями художественности. С точки зрения классицистов, великие произведения - плод не таланта, не вдохновения, нехудожественной фантазии, а упорного исследования велениям разума, изучение классических произведений древности и знания правила вкуса. Таким образом, классицисты сближают художественным деятельностью с научной. Вот почему для них оказался приемлемым философский рационалистический метод французского философа Рене Декарта(1596 – 1650), ставший основой художественного познания в классицизме.
Вторая важнейшая категория классицистической эстетики – образец. Классицисты считали, что эстетический идеал вечен и во все времена одинаков, но лишь в античности он был воплощён в искусстве с наибольшей полнотой. Поэтому, чтобы вновь воспроизвести идеал нужно обратиться к античному искусству и тщательно изучить его законы. Вот почему подражание образцам ценилось классицистами выше, чем оригинальное творчество. Обратившись к античности, классицисты тем самым отказались от подражания христианским образцам, продолжив борьбу гуманистов Возрождения за искусство, свободного от религиозной догматики.
Культ разума потребовал коренной перестройки содержания и формы произведений, принципов типизации, системы жанров. Классицисты провозгласили принцип подражания природе, строго ограничивая право художника на фантазию. Искусство сблизилось с политической жизнью, его важнейшей задачей было объявлено воспитание подлинного гражданина своей страны. Поэтому в центре произведений классицизма оказываются проблемы, представляющие общенациональный интерес.
В искусстве классицизма внимание уделяется не частному, единичному, случайному, а общему, типическому. Поэтому характер героя в литературе не имеет индивидуальных черт, выступая как обобщение целого типа людей. Принцип классической типизации приводит к резкому разделению героев на положительных и отрицательных, на серьезных и смешных. При этом смех всё больше становиться сатирическим, ибо в основном направляется именно на отрицательных персонажей.
Категория разума оказывается центральной и в формировании нового типа художественного конфликта, открытого классицизмом: конфликта между разумом, долгом перед государством – и чувством, личными потребностями, страстями. Обнаружив в человеке как бы два существа – государственного и частного человека, писатели искали и пути согласования разума и чувства, верили в конечное торжество гармонии. Это один из главных источников оптимизма классической литературы.
Большое влияние уделяли классицисты теории жанра. Они руководствовались принципами иерархии, есть жанры главные и неглавные. К середине XVII века утвердилось мнение, что самым главным литературным жанром является трагедия (в архитектуре – дворец, в живописи – парадный портрет и т.д.). Проза считалась ниже поэзии, особенно художественная. Поэтому распространение получили такие прозаические жанры, как проповеди, письма, мемуары, как правило, не рассчитанные на эстетическое восприятие, художественная проза, в частности роман, оказывается в забвении. Принцип иерархии делит жанры на «высокие» и «низкие», причём за жанрами закрепляются определённые художественные сферы. Так, за «высокими» жанрами (трагедия, ода и др.) закреплялась общегосударственная проблематика, в них могло говориться только о королях, полководцах, вышей знати, язык этих произведений носил приподнятый, торжественный характер («высокий штиль»). В «низких» жанрах (комедия, басня, сатира и т.д.) можно было касаться только частных проблем или абстрактных пороков (скупости, лицемерия, тщеславия и т.д.), выступающих как абсолютизированные частные черты человеческого характера. Героями в «низких» жанрах могли быть представители низов общества, выведение же знатных лиц допускалось лишь в исключительных случаях (тем выше можно оценить смелость Мольера, сделавшего постоянной комической фигурой образ маркиза). В языке таких произведениях допускались грубости, двусмысленные намёки, игра слов («низкий штиль») использование слов «высокий штиль» носило здесь, как правило, пародийный характер. Сообразуясь с принципами рационализма, классицисты выдвинули требование чистоты жанров. Смешанные жанры, например трагикомедия, вытесняются. Этим наноситься удар по способности того или иного жанра всесторонне отображать действительность. Отныне только вся система жанров способна выразить многообразие жизни.
Классицизм как стиль – это система изобразительно-выразительных средств, типизирующих действительность сквозь призму античных образцов, воспринятых как идеал гармонии, простоты, однозначности, упорядоченной симметрии. Таким образом, этот стиль воспроизводит лишь рационалистически упорядоченную внешнюю оболочку античной культуры, не передавая её языческой, сложной и нерасчленимой сущности. Не в античном наряде, а в выражении взгляда на мир человека абсолютической эпохи заключается суть стиля классицизма. Он отличается ясностью, монументальностью, стремлением убрать всё лишнее (принцип экономии средств), создание единое и цельное впечатление. Классицизм как направление по-разному развивался в странах Европы. Так, во Франции он складывался к 1590-м годам, становиться господствующим направлением к середине XVII века, достигает наивысшего расцвета в 60 - 70-е годы, затем испытывает некоторый кризис. В Англии, напротив, его влияние отчётливо проявляется лишь в конце столетия.
Творчество крупнейшего английского поэта XVII века Джона Мильтона (1608 – 1674) может рассматривать как пример английского классицизма (особенно его поздние поэмы). Мильтон родился в Лондоне, в семье нотариуса, формировался как личность под влиянием пуритан (в семье, в школе св. Павла, в Кембриджском университете). После окончания университета в 1632 г. Мильтон поселился в местечке Хортон, где начал литературную деятельность. Здесь он написал диптих «L’allegro» (Жизнерадостный) и «Il penseroso»(Задумчивый), где живописал согласие чувств и разума, отдавая разуму пальму первенства. В 1638 - 1640 гг. Мильтон путешествует по Европе, в Италии его принимают как крупного поэта и учёного. Но весть о созыве парламента в Англии, начале революции заставляет его вернуться на родину и активно включиться в борьбу за обновления общества.
Второй период в творчестве Мильтона (1640 – 1660) связан, прежде всего, с его участием в английском буржуазной революции и публистической деятельностью.
Мильтон был замечательным поэтом. В его стихах ощущается влияние классической эстетики. Так, в стихотворении «Шекспиру» Мильтон повторяет образ «Памятник» Горация: Шекспир воздвиг себе памятник выше и прочнее пирамид. Поэт сравнивает творчество Шекспира с современной литературой, о которой говорит с грустью: «С твоей свободной песней что сравниться? // А в наши дни искусство только мниться // Свободным быть».
Последний период творчества Милтона охватывает 1660 – 1674 гг. С поражением революции и началом реставрации Стюартов для поэта наступает мрачное время. Он едва избегает казни и тюрьмы. В августе 1660 г. По указу короля публично сжигаются публицистические книги Мильтона «Иконоборец» и «Защита английского народа». В этот период написаны самые знаменитые произведения писателя – поэмы «Потерянный рай! (1658 – 1667) и «Возвращённый рай» (1671), трагедия «Самсон-борец» (1671).
Неоклассицизм против романтизма.
История этих двух течений, охватывает, грубо говоря, целое столетие, примерно с 1750 по 1850 год. Как ни парадоксально, неоклассицизм с оной стороны считается всего лишь аспектом романтизма, а с другой стороны – течением, ему противостоящим. Трудность состоит в том, что два эти термина так же плохо согласуется друг с другом, как, скажем, «четвероногие» и «плотоядные». Неоклассицизм представляет собой новое возрождение классической античности, он более последователен, чем прежние классические направления и, по крайне мере на первых порах, был связан с идеями эпохи Просвещения. Романтизм же, напротив, не относиться к какому-то определённому стилю, а обозначает скорее образ мыслей, который может выражаться по-всякому, в том числе и в духе классицизма. Поэтому романтизм – гораздо более широкое понятие, и, следовательно, подобрать для него определение значительно труднее. Сложность углубляется ещё и тем, что неоклассицисты и романтики жили в одно и тоже время, а заявили о себе ещё в период расцвета стиля рококо. Так, например, Гойя и Давид родились с разрывом всего в несколько лет, а в Англии ведущие представители рококо, неоклассицизма и романтизма – Рейнольдс, Уэст и Фюзели – во многом разделяли идеи друг друга, хотя при этом решительно отличались по своим позициям и стилю.
Эпоха просвещения.
Если считать, что современная эпоха зародилась во времена американской революции 1776 года и французской революции 1789 года, то надо помнить, что этим катаклизмам предшествовала революция в умах, начавшаяся на полвека раньше. Её знаменосцами стали мыслители эпохи Просвещения в Англии, Франции и Германии – Дэвид Хьюм, Француа-Мария Вольтер, Жан-Жак Руссо, Генрих Гейне и другие – все они провозглашали, что люди в своём поведении должны руководствоваться разумом и стремлением к всеобщему благу, а не традициями и признанными авторитетами. В искусстве, как и в жизни, это рационалистическое течение было направлено против господствующего тогда стиля – изысканного и аристократического рококо. В середине XVIII века призыв вернуться к здравому смыслу, к природе, к морали, означал для искусства возвращение к античности – ведь, если на то пошло, разве не классические философы положили начало культу разума? Первым эту точку зрения сформулировал Иоганн Иоахим Винкельман – немецкий историк и теоретик искусства, провозгласивший знаменитое положение о «благородной простоте и спокойном величии» греческого искусства (в работе «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и культуре», написанной в 1755 году). Однако большинство живописцев очень мало знало об искусстве античности, для них возвращение к классике означало следованию стиля и «академической» теории Пуссена в сочетании с максимальным использованием деталей древней скульптуры, обнаруженной при архилогических раскопках в Геркалонуме и Помпеях.
Архитектура.
Возрождение интереса к Палладио.
Родиной неоклассицизма в архитектуре стала Англия. Самым ранним свидетельством неоклассицизма явился возврат к стилю Палладио в двенадцатых годах XVIII века, чему способствовал состоятельный архитектор-дилетант лорд Берлингтон. Чисвик-хаус, построенный им в стиле виллы «Ротонда», представляет собой простое, компактное, геометрически строгое здание – полную противоположность барочной помпезности. От прежних классических стилей неоклассицизм отличается не столько своими внешними проявлениями, сколько теми мотивами, которые обусловили обращение к нему. Неоклассицисты не довольствовались стремлением доказать превосходство древней архитектуры, они старались, чтобы здания отвечали требованиям своего назначения, и, следовательно, выглядели более «естественно», чем барочные постройки. Таким рациональным подходом объясняется холодноватый, чётко скомбинированный вид Чисвик-хаус: плоские, ничем не нарушаемые поверхности, скудный декор, храмовый портик резко выступают из тела здания, которое напоминает блочную конструкцию.
СУФФЛО. (1713 – 1780), французский архитектор. Представитель классицизма. Церковь Сент-Женевьев в Париже (1755 - 1789, с 1791 Пантеон) с грандиозным куполом, отличается ясностью членений, строгой монументальностью, смелостью конструктивных решений.
Неоклассицизм и античность.
Большими событиями для середины XVIII века были возрождение интереса к греческому искусству, как к подлинному источнику классического стиля, и раскопки Геркалонума и Помпей, которые впервые дали возможность познакомиться с бытом древних и составить полное представление об искусстве и ремеслах того времени. В Англии и во Франции начали издавать богато иллюстрированные книги, посвящённые Акрополю и Афинам, храму в Пестуме и находкам при раскопках Геркалонуме и Помпей. Археология завладела умами.
АДАМ. Всё это привело к появлению нового стиля в убранстве интерьеров, лучшие образцы которого мы видим в творчестве англичанина Роберта Адама (1728 – 1792), в частности в декоре парадной гостиной в Хоум-хаусе. Отделка по своему изяществу перекликается с интерьерами, оформленными в стиле рококо, но с характерным для неоклассицизма подчёркиванием плоских поверхностей и соблюдением симметрии и геометрической точности.
ДЖЕФФЕРСОН. В это же время палладинизм, возрождённый лордом Берлингтоном, распространился и за пределами старого света в американских колониях, где получил название георгианского стиля; наиболее значительным образцом этого стиля стала усадьба Томаса Джефферсона «Монтичелло». Возведённая из кирпича, отделанная деревом, она не столь строга, как Чивик – Хаус. Вместо того, чтобы использовать коринфский ордер, Джефферсон (1743 - 1826) выбирает римский дорический, хотя в конце XVIII века предпочитали более строгий греческий дорический ордер. Англия впервые отдала дань и следующей стадии неоклассицизма – возрождению античной греческой архитектуры, но уже в небольших масштабах. Вслед за Англией этот стиль быстро подхватили повсюду, поскольку считалось, что он в большей степени отражает «благородную простоту и спокойное величие» классического греческого искусства, чем более поздние, менее «мужественные» ордера. Греческий дорический ордер не так гибок, из-за чего его довольно трудно было приспособить к современным задачам, даже в сочетании с римскими элементами или элементами Ренессанса. Лишь изредка он служил прямым образцом для неоклассических архитектурных сооружений.
Европейская музыка.
С начала XVIII века в странах Западной Европы окончательно определилось общее господство в светской музыке. Со второй половины столетия композиторского творчества развивалось под действием идей просветительского классицизма.
Итальянские композиторы XVIII века основное внимание уделяли опере. Певцов готовили главным образом в консерваториях, которые открывались при «оспитале». В них преподавали известные итальянские музыканты. Выдающимся вокальным педагогом был Никола Порпора (1686 – 1768) – один из более плодовитых оперных композиторов неопалинтской школы.
Ещё при жизни главы этой школы А. Скарлатти, создателя опера-сериа, обнаружились присущие ей художественные противоречия, которые послужили для резких критических выступлений против неё. К середине XVIII века наметилась тенденция к предопределению штампов опера-сериа, к более тесной связи музыки с драматургией. Яркое выражение это получило в творчестве М. Йомелли и Т. Траэтты, композиторов новонеаполитанской школы Дж. Сарти, П. Гульельми и других. Убеждёнными приверженцами нового были А. Саккини и А. Сальери.
Сильнейшую оппозицию условно-героической опера-сериа составил новый демократический жанр опера-буффа (комическая опера). Первым классическим образцом его считается опера композитора Джованни Батиста Перголези (1710 – 1736) «Служанка-госпожа» (1733).
В 1760-х гг. в опере – буффа начали появляться лирико-сентименталистские тенденции, которые отразились в творчестве Никколо Пиччинни (1728 – 1800). В 1776 году в Париже Н. Пиччинни был втянут в борьбу «глюкистов» и «пиччинистов». Противники оперной реформы Глюка стремились противопоставить его искусству оперную музыку Пиччинни. Соревнуясь, композиторы работали над сюжетом оперы «Ифигения в Тавриде». В результате победу одержал Глюк.
К последнему этапу развития опера-буффа относиться творчество Джованни Паизиелло (1740 – 1816) и Доменико Чиморозы (1749 – 1801). Оба композитора в разное время работали при дворе в Петербурге.
Значительный вклад был внесён итальянскими композиторами в инструментальную музыку. Скрипичное искусство многим обязано крупнейшему мастеру в этой области Джузеппе Тартини (1692 – 1770), итальянский скрипач, композитор и музыкальный теоретик. Глава падуанской скрипичной школы. Развил жанр концерта для скрипки с оркестром (всего 125), скрипичной сонаты (всего 175), в т.ч. «Трель дьявола», трио-сонаты; трактаты о музыке. Основал в Падуе Музыкальную академию (1727).
В виолончельной музыке выделился Луидже Боккерини (1743 – 1805), итальянский композитор и виолончелист. Способствовал развитию классических камерно-инструментальных жанров и симфонии. С конца 60-х гг. жил в Мадриде. Концерты для виолончели с оркестром, ок. 30 симфоний, инструментальные сонаты, ансамбли и др. В его сочинениях сочетались элементы галантного стиля (рококо) с предромантической эстетикой.
Подлинным новатором клавирной музыки выступали Доменико Скарлатти (1685 – 1775), итальянский композитор и классевинист. Сын А. Скарлатти. Работал в Лиссабоне и Мадриде. Создал виртуозный стиль игры на клавесине. В его сонатах для клавесина (св. 550, под названием «экзерсисы») формировалось сонатное аллегро. Оперы, кантаты и др. Его сонаты для клавесина стали своего рода энциклопедией клавирного искусства.
Большую роль в развитии инструментальных жанров сыграл величайший итальянский композитор Антонио Вивальди (1678 – 1741),скрипач-виртуоз. Создатель жанров сольного инструментального концерта (228 – для скрипки) и (наряду с А. Корелли) кончерто гроссо (всего 49). Его цикл «Времена года» (1725) – один из ранних образцов программности в музыке. Св. 40 опер, ораторий, кантаты; инструментальные концерты различных составов (465) и др. В Сиене – Итальянский институт имени А. Вивальди. В его творчестве содержались черты, характерные для позднего барокко.
Во Французской музыке XVIII в. предпочтение отдавалось музыкально-театральным жанрам. В 1730 – 1760-е гг. ведущее положение в придворной опере – «Королевской академии музыки» - занял крупнейший французский композитор Жан Филипп Рамо (1683 – 1764), музыкальный теоретик. Используя достижения французской и итальянской музыкальных культур, значительно видоизменил стиль классицистской оперы, подготовил оперную реформу К. В. Глюка. Лирические трагедии «Ипполит и Арисия» (1733), «Кастор и Поллукс» (1737), опера-балет «Галантная Индия» (1735), клавесинные пьесы и др. Его теоретические труды – значительный этап в развитии учения о гармонии.
До конца 1740-х гг. вокруг его сценических произведений не стихала борьба «рамистов» и «люллистов». Последние считали музыку Рамо слишком учёной и «проитальянской». На самом деле, проявляя творческий интерес к итальянской, композитор с большим уважением относился к традициям Ж.Б.Люлли. Создав яркие образцы лирических трагедий и опер-балетов, Рамо обновил музыкально-выразительные средства оперного жанра и обогатил вокально-декламационный стиль французской оперы итальянскими ариозными формами.
К середине XVIII века героико-мифологические оперы. Люли, Рамо и других композиторов перестали соответствовать эстетическим запросам аудитории. Её вкусам более удовлетворяли остросатирические ярмарочные спектакли (возникшее в конце XVII века.) В недрах ярмарочного театра постепенно созрел новый французский оперный жанр – опера комик. Укреплению его позиций способствовал приезд в Париж в 1752 год итальянской оперной труппы, поставившей несколько опер-буффа (в том числе «Служанку-госпожу» Перголези). Среди первых авторов французской комической оперы Эджилио Дуни (1709 – 1795) и Франсуа Андре Филидор (1726 – 1795). Филидор (настоящая фамилия Даникан Филидор), французский композитор. Один из создателей жанра французской комической оперы (сюжеты из жизни простых людей): «Садоник и его господин» (1761), «Кузнец» (1761). Являлся сильнейшим шахматистом Европы 2-й половины 18 века. Труд «Анализ шахматной игры».
Во второй половине XVIII века опера комик сблизилась с «серьёзной комедией». Характерным представителем этого направления стал Пьер Александр Монсиньи (1729 – 1813), французский композитор. Один из создателей французской комической оперы, приблизил её к сентиментальной драме («Дезертир», 1769, и др.).
Образно-художественную сферу оперы комик значительно расширил Андре Гретри (1741 – 1787), французский композитор. По происхождению бельгиец. Мастер оперного жанра (от сентиментальной комедии до романтической оперы). Оперы «Люсиль» (1769), «Ричард Львиное Сердце» (1784) и др. Он оставил глубокий след в области музыкально-эстетической мысли.
Идеи французского Просвещения о восстановлении единства искусств, существовавшего в античном театре, легли в основу оперной реформы великого композитора Кристофора Виллибальда Глюка (1714 – 1787). Творчество Глюка (немца по происхождению) явилось давно ожидаемой «радикальной революцией» в опере. Созданные им в 1760-е гг. в Вене оперы «Орфей и Эвредика», «Альцеста» и другие и в 1770-е гг., в предреволюционной обстановке в Париже. «Армида», «Ифигения в Тавриде» и другие вызвали к жизни новый оперный стиль – классическую музыкальную драму. Главным достижением композитора явилось подчинение всех средств выразительности спектакля едином драматическому замыслу.
Под воздействием идей французской революции национальное музыкальное искусство приобрело гражданско-демократический характер. Наиболее яркий образец революционной песни – «Марсельеза» Клода Жузефа Руже де Лилля (1760 – 1836), написанная им в 1792 году. Был французским военным инженером, поэтом и композитором. Писал гимны, песни, романсы.
Появление в музыке героических тем дало жизнь искусству революционного классицизма. Крупнейшие композиторы того времени стали – Ф.Ж.Госсек, Э.Мегюль, Ж.Ф.Лесюэр, Л.Керубини. Франсуа Жозеф Госсек (1734 – 1829) стал родоначальником французской симфонии. Луиджи Керубини (1760 – 1842), итальянский композитор, живший во Франции, - один из создателей жанра «оперы спасения».
Музыкальное искусства Германии первой половины XVIII ознаменовалось расцветом творчества великого немецкого композитора Иоганна Себастьяна Баха (1685 – 1750). В его музыке получили обобщение и завершение почти все предшествовавшие музыкальные течения полуторавекового периода. За 50 лет творчества лишь в течение пяти из них интересы Баха были сосредоточены на светской музыке. Большую часть жизни он работал при церкви. Композитор, отдавший дань почти всем областям музыкального искусства, миновал ведущий жанр своего времени – оперу. Баху, далёкому от всего поверхностного и развлекательного, была чужда придворная опера. Его творческим исканиям, тесно связанный с лютеранской традицией, соответствовала атмосфера собора. Однако важнейшие художественные завоевания музыкальной драмы глубоко проникли в его произведения, смягчив суровую музыку лютеранства.
Громадное наследие Баха, содержащее более 1000 произведений различных жанров, охватывает три сферы – органную, вокально-драматическую и инструментальную. В органном творчестве композитора сформировались закономерности малого полифонического цикла, которые были закреплены в его 48 прелюдиях и фугах «хорошо темперированного клавира». Среди инструментальных сочинений Баха выделяются шесть Бранденбургских концертов для оркестра (concerto grosso). В которых он продолжил традиции Вивальди.
Вокально-драматические произведения Баха включают около 300 духовных кантат, ораторий («Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» и другие.) Светские кантаты мало отличаются от духовных. Особый интерес представляют «Кофейная кантата» и « Крестьянская кантата», предвосхитившие немецкую комическую оперу.
Иначе сложилась судьба Георга Фридриха Генделя (1685 – 1759), получившего европейское признание при жизни. Его стремление к общественному утверждению своего искусства, широкой демократической аудитории, к яркой театральности светских жанров не нашло почвы в Германии. С 1717 года он постоянно жил в Англии; здесь его деятельность сыграла большую роль в развитии английской музыкальной культуры. Гендель легко приспособился к вкусам и художественным требованиям английской публики, создав свыше 40 опер в итальянском стиле. Он стал великим мастером ораторий, в которых немецкие национальные традиции умело сочетались с чертами, присущими английским вокально-инструментальным жанрам.
В музыкальном искусстве Австрии произошли существенные перемены. Представители так называемой старовенской школы содействовали развитию инструментальных жанров (соната, концерт) и пытались ввести в оперу драматическое начало.
В 1748 году постановки опер в «Бургтеатре» возглавил К. В. Глюк; при нём театр превратился в один из центров музыкальной европейской жизни. С 1754 года развивался балет как самостоятельный жанр. Балет Глюка «Дон Жуан» во многом предвещал его реформаторские начинания в опере. В 60-е годы разгорелась борьба между противниками и защитниками венской народной комедии, уходящей корнями в XVII веке. Потребность в национальной опере одержала верх, и австрийский зингшпигель утвердился на сцене «Бургтеатра». По указу императора в 1778 года была создана отечественная оперная труппа. Во второй половине XVIII века в Австрии сформировалась венская классическая школа. Одним из её основоположников был Йозеф Гайдн (1732 – 1809). Наряду с Глюком и Моцартом он определил характерные особенности школы. Гайдн – родоначальник венской классической симфонии и преобразователь в области инструментальной музыки. Автор 104 симфоний, он утвердил четырёхчастный симфонический цикл и закрепил постоянный, так называемый классический, состав симфонического оркестра.
Творчество великого австрийского композитора Вольфганга Амадея Моцарта (1756 – 1791) – один из важнейших этапов в мировом развитии оперы, симфонии, концертной и камерной музыки. Гармонически ясное и яркое по выразительности искусство Моцарта – представителя венской классической школы – родственно просветительскому классицизму с его культом разума и в то же время сентиментализму.
Огромное наследие композитора. Им написано около 50 симфоний, среди которых особое место занимают последние три. Будучи выдающимся клависинистом и скрипачом. Он стал основоположником нового типа сонаты и концертом. Решительный шаг сделал Моцарт в пересмотре принципов и традиций музыкального театра. Он преобразовал бытовую комическую и сентиментальную оперу и создал новый тип реалистической оперы. В синтезе музыки и драмы Моцарт оставлял главенство за музыкой, выработав систему полного подчинения либреттиста композитору. Известно его изречение: «Поэзия послушная дочь музыки».
На основе итальянской оперы-буффа (и отчасти оперы-сериа) Моцартом были написаны опера-комедия «Свадьба Фигаро» (1786) и опера-драма «Дон Жуан» (1787) – лучшие из его сценических произведений. Одно из важнейших заслуг Моцарта-драматурга является создание классического национального зингшпиля – «Похищение из сераля» (1782) и «Волшебная флейта» (1791).
Работа над «Реквиемом» началась за пол года до смерти композитора. Эта траурная месса для хора, квартета солистов и большого оркестра – одно из глубочайших по мысли и выражению новаторских произведений Моцарта. «Реквием», заказанным анонимно графом Ф. Вальзегг-Штуппахом, остался незавершённым (недостающие номера написаны учеником Моцарта – Ф. Кс. Зюсмайром).
Русская музыка.
Новую эру в развитии русской музыки открыл XVIII век. После долгих лет изоляции профессионального музыкального искусства и подчинение его церкви началось бурное развитие светских жанров. Стремительное освоение достижений западноевропейской музыкальной культуры привело к созданию своей национальной традиций. В последней трети столетия сложилась русская композиторская школа.
Развитие русской музыки до конца 1720-х гг. было связано с реформами Петра I, которые подготовили почву для распространения европейских форм музицирования. Военные оркестры звучали на общественных торжествах, придворных балах и ассамблеях.
До середины XVIII века продолжал развиваться хоровой партесный концерт. Среди мастеров этого жанра прославились Николай Калашников, Николай Бавыкин и Фёдор Редников.
В XVIII сформировали панегирические, застольные, матросские канты. Зарождались канты любовного содержания. В них нередко использовались мелодии европейских галантных танцев, чаще всего менуэта (канты на миновет).
При императрице Анне Иоанновне в 1734 году в Петербург приехала первая итальянская оперная труппа. В её репертуар в основном входили интермедии и комедии в стиле dell’arte. Однако величию дворцового ритуала более соответствовала итальянская опера-сериа. Значительную роль в развитии оперы-сериа в России сыграла итальянская труппа под руководством Франческо Арайи.
Важное значение имела постановка оперы Арайи «Цефал и Прокрис»(1755), либретто которой написал А.П. Сумароков. Это был первый оперный спектакль, исполнявшийся на русском языке, а в главных партиях блистали молодые отечественные певцы.
В конце 1750-х годах оперу-сериа сменил более демократичный жанр – опера-буффа. С 1757 года в России выступали итальянские оперные труппы. Немалый вклад в развитие русской музыкальной культуры внесли Б. Галуппи, Т. Траэтта, Дж. Паизиелло и Д. Чимароза.
Галуппи Бальдассаре(1706 – 1785), итальянский композитор. Руководил капеллой собора Сан-Марко в Венеции. В 1765-1768 работал в России. Представитель венецианской школы, мастер оперы-буффа («Деревенский философ», 1754, и другие).
Траэтта Томмазо (1727 – 1779), итальянский композитор. В 1768 - 1776 придворный капельмейстер в С.-Петербурге. Преобразовывая и обновляя традиции опера-сериа, подготовил оперную реформу Глюка. Оперы (всего свыше 50): «Ифигения в Тавриде» (1763), «Антигона» (1772), «Луций Вер» (1774) и другие; оратория, «страсти», месса и другие церковные произведения.
Чимароза Доменико (1749 – 1801), итальянский композитор, клавесинист, скрипач, певец. В 1787 - 1791 работал в С.-Петербурге. Мастер оперы-буффа (свыше 70, в том числе лучшая – «Тайный брак», 1792). Оперы-сериа «Горации и Курации» (1796) и другие.
Не менее важную роль в развитии русской музыки и, в частности, оперного жанра сыграла французская опера комик. Французской оперной группой, приглашённой Екатериной II, были представлены два варианта оперы комик: бытовая сатира (Ф. Филидор) и сентиментальная опера (А. Э. М. Гретри и П. А. Монсиньи).
Французские оперы с успехом разыгрывались и в крепостных театрах Москвы и Петербурга. Крепостной театр Н. П. Шереметьева был одним из самых блестящих очагов французской музыки.
Композиторская школа России сформировалась в последний трети XVIII века. Русские композиторы стремились объединить принципы и формы раннего европейского классицизма с мелодическим складом отечественной народной песни. Появились первые сборники русских песен – В. Ф. Трутовского, Н. А. Львова и И.Прача. Ещё в 1740 - 1760 годы появился «Сборник Кирши Данилова», основой которого были эпические песни. В творчестве русских композиторов важнейшее место занимал оперный жанр. Вначале отечественная опера продолжала традиции французского музыкального театра. Первым образцом оперного театра был «Мельник-колдун, обманщик и сват» (1779) Михаила Матвеевича Соколовского. Музыка оперы в основном заимствована из сборника Трутовского. В том же году появилось и сочинение выдающегося оперного композитора XVIII века Василия Алексеевича Пашкевича (1742 – 1797) «Несчастье от карета». Пашкевич снискал славу мастера ансамблевого письма («Скупой», «Как поживёшь, так и прослывёшь»). Оперы, написанные Пашкевичем по заказу Екатерины II на её либретто, были менее удачными.
Евстигней Ипатович Фомин (1761 – 1800) в своих произведениях поднялся до уровня крупнейших итальянских музыкантов («Ямщики на подставе», «Орфей»). Тонкое изящество и комедийный элемент присущий опере Дмитрия Степановича Бортнянского (1751 – 1825) – «Соколов» и «Сын-соперник». Он работал в самых разных жанрах.
Новый тип камерных песен с сопровождением – «российские песни» - появился в середине XVIII века. К концу XVIII века выдвинулись мастера камерного вокального жанра - Фёдор Михайлович Дубянский (1796 – 1860) и Осип Антонович Козловский (1757 – 1831).
Крупнейший композитор XVIII века, сочинивший главным образом инструментальную музыку, - Иван Евстрапович Хандошкин (1747 – 1804). Он автор многочисленных вариаций для скрипки соло или двух скрипок на тему русских народных песен, сольных скрипачных сонат. Вариации для фортепьяно писали Трутовский и Караулов. Сонатную форму раннеклассического типа развивал Бортнянский. Элементы русского симфонизма созревали в оперных увертюрах, отчасти в балетной музыке.
Видный мастер хоровой музыки - Максим Созотович Березовский (1745 – 1777) совершал переходы от барокко к классицизму в области гармонии и музыкальной формы. Березовский и Бортнянский определили новый этап в развитии русской церковной хоровой музыки. Творчество этих композиторов отличается глубиной выражения человеческих чувств, классической ясностью и стройностью формы. Они создали тип хорового концерта, в котором использованы достижения оперы, полифонического искусства XVIII века классических жанров инструментальной музыки.
Из истории
***В XVIII веке профессия музыканта приравнивалась почти к ремеслу. В отличие от литературного творчества труд музыканта, как, впрочем, и живописца, для людей дворянского звания был зазорным. Русские композиторы XVIII столетия были в основном выходцами из простолюдинов - крепостных (Дегтярев), солдат (Фомин), ремесленников (Хандошкин). В социальной иерархической лестнице они стояли на одной ступени с лакеями. Их функции заключались в развлечении публики.
***С 1776 года ведёт свою историю Большой театр в Москве. Князь П. В. Урусов получил тогда привилегию «Быть содержателем всех театральных в Москве представлений…» и вместе с антрепренером М. Е. Медоксоном построил специальное театральное здание («Петровский дом», или «Оперный дом»). Это был первый постоянный театр. Здесь наряду с оперными шли балетные и драматические спектакли.
Рождение Мариинского театра относится к 1783 году, когда в Петербурге был построен Каменный(Большой) театр и указом Екатерины II организована труппа «… не для одних комедий, но и для оперы…»
Так и искусство рококо отделились от церкви, отодвинув религиозные темы далеко на задний план. Отныне и живопись, и архитектура должны были быть легкими и приятными. Галантное общество XVIII века устало от нравоучений и проповедей, люди желали наслаждаться жизнью, получая от нее максимум удовольствий. Крупнейшим мастером рококо был Франсуа Буше, который превратил свои картины в декоративное...
Не проходило, конечно, идиллически. Мастера искусств со всей страстностью отстаивали свои эстетические принципы - утверждали одно, отвергали другое. В целом западноевропейская литература XVII-XVIII вв. выдвинула на мировую арену много первоклассных мастеров и внесла в сокровищницу мирового искусства произведения высокой художественной ценности. Если иметь в виду художественное своеобразие, то...
Поэтому обсуждение философского смысла природы требует анализа взаимосвязи не только природы и производства, но и учета эстетических, нравственных и социальных отношений и оценок природы. 2. ЕВРОПЕЙСКАЯ ФИЛОСОФИЯ XVII-XVIII ВВ. Европейскую философию XVII века условно принято называть философией нового времени. Данный период отличается неравномерностью социального развития. ...
И было осуществлено, за счет пересмотра содержания классических предметов и включения, в первую очередь математических дисциплин. Высшее образование. XVII – XVIII вв. – время быстрого развития высшего образования в Западной Европе. Важнейшим в развитии университетского образования стало то, что, во-первых, в его содержание широко входят естественные науки, тем самым в университетах происходит...
Определение классицизма (от лат. сlassicus – образцовый) – это художественный стиль и направление в искусстве Европы XVII – XIX веков. В его основе лежат идеи рационализма, главная цель которых просвещать публику на основе некого идеала, образца, чем и похож на модернизм. В качестве такого примера послужила культура античного мира. Правила, каноны классицизма имели первостепенное значение; их должны были соблюдать все деятели искусства, творящие в рамках этого направления и стиля.
Определение классики
Классицизм, как стиль, пришёл на смену пышному и помпезному и экстерьере. Европейское общество к концу XVII века прониклось идеями просвещения, что нашло своё отображение в культуре искусстве. Внимание архитекторов, скульпторов привлекли строгость, простота, чёткость и лаконичность античной культуры, в частности древнегреческой. , архитектура стали предметом подражания и заимствования.
Как направление, классицизм охватил все виды искусства: живопись, музыку, литературу, архитектуру.
История возникновения классического стиля: от античности до эпохи Возрождения
Классицизм, главная цель которого просвещать публику на основе некого идеала и соблюдения всех общепринятых канонов, является полностью противоположным , который отрицал все правила и являл собою бунт против всякой художественной традиции в любом направлении.
Провинциальный классицизм в России
Это направление, характерное только для русского зодчества. Большинство исторических построек Санкт-Петербурга и Москвы, Ярославля, Пскова выполнены в провинциальном классицизме. Своим зарождением относится к периоду Золотого века. Классические представители сооружений архитектуры, выполненные в стиле классицизма: Казанский собор, Никольский казачий собор и пр.
Периоды: ранний, средний, поздний (высокий)
В своём развитии классицизм прошёл 3 периода, которые можно так перечислить:
- Ранний (1760-е – начало 1780-х) – расцвет направления, принятие понятия нового стиля, определение причин, и по каким чертам стиль будет принадлежать именно к классицизму;
- Строгий или средний (1780-е – 1790-е) – укоренение стиля, описание во многих литературных и изобразительных произведениях, строительство зданий;
- Поздний или высокий, получивший название (первые 30 лет XIX века).
На фото представлена Триумфальная Арка в Париже – яркий пример классицизма.
Характеристика и черты мирового стиля
Характеристика классики во всех направлениях творчества:
- чёткие геометрические формы,
- высококачественные материалы,
- благородная отделка и сдержанность.
Величественность и гармония, изящество и роскошь – вот основные отличительные черты классицизма. Эти черты позднее отобразились в интерьерах в стиле .
Характерные особенности классицизма в современном интерьере
Существенные особенности стиля:
- гладкие стены с мягкими цветочными мотивами;
- элементы античности: дворцы и колонны;
- лепнина;
- изысканный паркет;
- тканевые обои на стенах;
- изящная, грациозная мебель.
Особенностью русского классицистического стиля стали спокойные прямоугольные формы, сдержанное и в то же время многообразное декоративное оформление, выверенные пропорции, достойный вид, гармоничность и вкус.
Экстерьер направления классики: сооружения
Внешние признаки классицизма в архитектуре ярко выражены, их можно выявить при первом взгляде на здание.
- Конструкции: устойчивые, массивные, прямоугольной и арочной формы. Композиции чётко спланированы, соблюдается строгая симметрия.
- Формы: чёткая геометричность, объёмность и монументальность; статуи, колонны, ниши, ротонда, полусферы, фронтоны, фризы.
- Линии:строгие; регулярная система планировки; барельефы, медальоны, плавный рисунок.
- Материалы: камень, кирпич, древесина, лепнина.
- Крыша: сложной, замысловатой формы.
- Преобладающие цвета: насыщенные белый, зелёный, розовый, пурпурный, небесно-голубой, золотой.
- Характерные элементы: сдержанный декор, колонны, пилястры, античный орнамент, мраморная лестница, балконы.
- Окна: полукруглые, прямоугольные, удлинённые вверх, скромно оформленные.
- Двери: прямоугольные, филенчатые, часто украшены статуями (льва, сфинкса).
- Декор: резьба, позолота, бронза, перламутр, инкрустация.
Интерьер: признаки класицизма и архитектурные жанры
В интерьере помещений эпохи классицизма присутствует благородство, сдержанность и гармоничность. Тем не менее, все предметы интерьера не выглядят как музейные экспонаты, а только подчёркивают тонкий художественный вкус и респектабельность хозяина.
Помещение имеет правильную форму, наполнено атмосферой благородства, уюта, тепла, изысканной роскоши; не перегружено деталями.
Центральное место в декорировании интерьера занимают натуральные материалы, главным образом, ценные породы дерева, мрамор, камень, шёлк.
- Потолки: светлые высокие, часто многоуровневые, с лепниной, орнаментом.
- Стены: декорированы тканями, светлые, но не яркие, возможны пилястры и колонны, лепнина или роспись.
- Напольное покрытие: паркет из ценных древесных пород (мербау, камши, тик, ятоба) или из мрамора.
- Освещение: люстры из хрусталя, камня или дорогого стекла; позолоченные люстры с плафонами в виде свеч.
- Обязательные атрибуты интерьера: зеркала, камины, уютные невысокие кресла, низкие чайные столики, светлые ковры ручной работы, картины с античными сюжетами, книги, массивные, стилизованные под античность напольные вазы, треножные подставки для цветов.
В декоре помещения часто используются античные мотивы: меандры, фестоны, лавровые гирлянды, нити жемчужин. Для отделки применяется дорогой текстиль, в том числе гобелены, тафта и бархат.
Мебель
Мебель эпохи классицизма отличается добротностью и респектабельностью, изготовлена из дорогих материалов, в основном из ценной древесины. Примечательно, что фактура дерева выступает не только как материал, но и как декоративный элемент. Предметы мебели изготовлены вручную, декорированы резьбой, позолотой, инкрустацией, драгоценными камнями и металлами. Но форма простая: строгие линии, чёткие пропорции. Столы и стулья столовой изготовлены с изящными резными ножками. Посуда – фарфоровая, тонкая, почти прозрачная, с рисунком, позолотой. Одним из важнейших атрибутов мебели считался секретер с кубическим корпусом на высоких ножках.
Архитектура: театры, церкви и другие здания
Классицизм обращался к основам античной архитектуры, используя не только элементы и мотивы, но и закономерности в конструкции. Основа архитектурного языка – ордер с его строгой симметрией, пропорциональностью создаваемой композиции, регулярностью планировки и чёткостью объёмной формы.
Классицизм – полная противоположность с его вычурностью и декоративными излишествами.
Создавались неукреплённые дворцы, садово-парковые ансамбли, которые стали основой французского сада с его выпрямленными аллеями, подстриженными газонами в форме конусов и шаров. Типичные детали классицизма – акцентированные лестницы, классический античный декор, купол в общественных зданиях.
Поздний классицизм (ампир) приобретает воинские символы («Триумфальная арка» во Франции). В России каноном архитектурного стиля классицизма можно назвать Санкт-Петербург, в Европе – это Хельсинки, Варшава, Дублин, Эдинбург.
Скульптура: идеи и развитие
В эпоху классицизма получили широкое распространение публичные памятники, олицетворяющие воинскую доблесть и мудрость государственных мужей. Причём основным решением для скульпторов стала модель изображения известных деятелей в образе античных богов (к примеру, Суворов – в виде Марса). Среди частных лиц стало популярным заказывать скульпторам надгробные памятники для увековечивания их имён. В целом скульптурам эпохи присущи спокойствие, сдержанность жестов, бесстрастность выражений, чистота линий.
Мода: одежда Европы и России
Интерес к античности в одежде стал проявляться в 80-е годы XVIII века. Особенно это проявилось в женском костюме. В Европе возник новый идеал красоты, прославляющий естественные формы и прекрасные женские линии. Вошли в моду тончайшие гладкие ткани светлых тонов, особенно белого.
Женские платья лишились каркасов, прокладок и нижних юбок и получили форму длинных, задрапированных складками туник, разрезанных по бокам и перехваченных поясом под грудью. Надевались они на трико телесного цвета. В качестве обуви служили сандалии с лентами. Причёски копировались с античности. В моде ещё остаётся пудра, которой покрывались лицо, руки, декольте.
Среди аксессуаров использовались то тюрбаны из кисеи, украшенные перьями, то турецкие шарфы или кашмирские шали.
С начала XIX века парадные платья стали шить со шлейфами и глубоким декольте. А в повседневных платьях вырез прикрывался кружевной косынкой. Постепенно меняется причёска, и пудра уходит из употребления. В моду входят коротко стриженные волосы, закрученные в локоны, повязанные золотой лентой или украшенные венцом из цветов.
Мужская мода складывалась под влиянием англичан. Становятся популярными английский суконный фрак, редингот (верхняя одежда, напоминающая сюртук), жабо и манжеты. Именно в эпоху классицизма в моду входят мужские галстуки.
Искусство
Живопись и изобразительное искусство
В живописи классицизм характеризуется также сдержанностью и строгостью. Основные элементы формы – линия и светотень. Локальный цвет подчёркивает пластику предметов и фигур, разделяет пространственный план картины. Крупнейший мастер XVII в. – Лоррен Клод, известный своими «идеальными пейзажами». Гражданский пафос и лиричность объединились в «декоративных пейзажах» французского живописца Жака Луи Давида (XVIII в.). Среди русских художников можно выделить Карла Брюллова, сочетавшего классицизм с (XIX в.).
Классицизм в музыке ассоциируется с такими великими именами, как Моцарт, Бетховен и Гайдн, определивших дальнейшее развитие музыкального искусства.
Литература: герои и личность в произведениях
Литература эпохи класицизма пропагандировала разум, побеждающий чувства. Конфликт между долгом и страстями – основа сюжета литературного произведения, где личность постоянно находится в напряжении и должна выбрать, какое принять решение. Проведена реформа языка во многих странах и заложены основы поэтического искусства. Ведущие представители направления – Франсуа Малерб, Корнель, Расин. Главный композиционный принцип произведения – единство времени, места и действия.
В России классицизм развивается под эгидой эпохи Просвещения, главными идеями которой стали равенство и справедливость. Самый яркий автор литературы эпохи русского классицизма – М. Ломоносов, заложивший основы стихосложения. Главным жанром стала комедия и сатира. В этом русле работали Фонвизин, Кантемир.
«Золотым веком» считают эпоху классицизма для театрального искусства, которое развивалось очень динамично и совершенствовалось. Театр был довольно профессиональным, а актёр на сцене не просто играл, а жил, переживал, оставаясь при этом самим собой. Театральный стиль был провозглашён искусством декламации.
- Жак-Анж Габриэль, Пиранези, Жак-Жермен Суффло, Баженов, Карл Росси, Андрей Воронихин, (архитектура);
- Антонио Канова, Торвальдсен, Федот Шубин, Борис Орловский, Михаил Козловский (скульптура);
- Никола Пуссен, Лебрен, Энгр (живопись);
- Вольтер, Сэмюэл Джонсон, Державин, Сумароков, Хемницер (литература).
Видео: традиции и культура, отличительные черты, музыка
Заключение
Идеи эпохи классицизма с успехом используются в современном дизайне. В нём сохраняется благородство и изящность, красота и величие. Основные черты – это настенная роспись, драпировка, лепнина, мебель из натурального дерева. Украшений немного, но все они роскошны: зеркала, картины, массивные люстры. В целом стиль и сейчас характеризует хозяина как респектабельного, далеко не бедного человека.
Позже еще появляется , который знаменовал приход новой эпохи – это . стало совмещение нескольких современных стилей, в которые входят не только классический, но еще барокко (в живописи), античная культура, и эпоха Возрождения.